Bateia Cultura

Coluna do Aquiles, o CD de Ladston do Nascimento, cantor e compositor mineiro

2012-02-07T10:37:00.004-02:00

A maturidade incontestável de um compositor e cantor

Desde o lançamento do LP Vida e dos CDs Anjim Barroco e Simbora, João! até Lugarzim(Fina Flor), já lá se vão mais de vinte anos da carreira de Ladston do Nascimento.

Com esse trabalho, o compositor, cantor e violonista belo-horizontino chegou a um estágio em que sua competência está à flor da pele, apta a atingir o momento da plenitude, a integridade tão desejada pelo músico quanto pelo seu público, todos ansiando pelo instante que definirá a ultrapassagem de ser visto apenas como uma grande promessa para a percepção de que ele chegou ao ponto só alcançado pelos bambas.

À concretude: Ladston do Nascimento realizou seu rito de passagem. Amadurado, cantor de espantosos recursos vocais, artista que percebe como poucos o sentido da mineirice que corre nas veias de sua gente, transformando-a em canções que a representa e identifica, fez-se o grande compositor e cantor que muitos apostavam que haveria de ser.

Produzido por Jota Souza (que também toca piano e vibrafone, além de ser o arranjador de quatro faixas), o CD tem outros arranjadores igualmente experientes: o próprio Ladston (que também toca violão), Francis Hime e Túlio Mourão (os dois também tocam piano). Conta igualmente com uma faixa em que Ladston é o autor da música e da letra, além de parcerias suas com outros letristas/poetas: Antônio Martins, Fernando Brant e Tadeu Franco.

A fim de dar vida às músicas e prepará-las para que Ladston as cantasse com sua voz de pássaro das noites de luar mineiras, grandes instrumentistas foram chamados: a bateria e a percussão de Robertinho Silva, os violões de Daniel Santiago e de Marco Pereira, as flautas de Andrea Ernest e de Dirceu Leite, o trompete de Altair Martins, os baixos de Guto Wirtti, André Vasconcellos e Pedro Aune, o cello de Iura Ranevsky, o piano de David Feldman, a clarineta de Pedro Paes e o vibrafone de Gabriel Guenther.

Quem ouve Ladston do Nascimento cantar pela primeira vez espanta-se: ele canta como Milton Nascimento cantou quando subiu no palco do Maracanãzinho para defender “Travessia”, dele e Fernando Brant, em 1967. A voz de Ladston é igualmente límpida em sua agudeza, e seu sentimento transborda em delicadezas que impregnam as notas sem, entretanto, se afastar uma coma sequer da afinação.

O álbum começa com “O circo do Miudinho” (Ladston e Antônio Martins). A introdução, cantada por coro misto, arrepia pela energia que transmite e também por trazer à mente outro coro, o de “Sentinela” (Milton e Fernando Brant). A percussão de Robertinho e o dedilhado do piano de Túlio Mourão dão ainda mais tensão ao canto. Ladston brilha densamente

Outras faixas vêm plenas de unidade e de deferência à música das Minas Gerais. Canções tributos de um craque à sua terra e aos conterrâneos que o antecederam musicalmente.

Em Lugarzim, a música de Gladston do Nascimento brilha como o reflexo do minério faísca pelas estradas e caminhos de todos os mineiros.

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles, o CD instrumental de João Parahiba

2012-01-16T09:00:00.000-02:00

Alocomotiva rítmica do samba-jazz

JoãoParahyba é um dos maiores bateristas brasileiros. Seu DNA rítmico nasceu daforma como tocava timba. Isso quando ele integrou o Trio Mocotó, junto comFritz Escovão e Nereu Gargalho, nos anos 1960: três sambistas que, sem perderde vista o jazz e o rock, proporcionaram novos ares ao nosso velho e bom ritmo.

Aose desligar do trio, em 1973, João parecia ter também desencanado da música.Nada disso. Sete anos depois ele estava de volta. Suas baquetas seguiam tãosurpreendentes como antes. Sua veia de misturador de gêneros fervia mais do quesempre: samba-rock, samba-jazz, samba, rock, jazz, tudo junto e misturado a umsó tempo, o suingue de cada um desses gêneros brotando aos borbotões.

Em2000, ao retomar o trabalho com o Trio Mocotó, Parahyba aqueceu as mãos eretomou o gosto pelas coisas das batidas diferentes, até que, anos mais tarde(2009), convidou Beto Bertrami (pianista), Rudy Arnaut (guitarrista), GibaPinto (contrabaixista), Ubaldo Versolatto (saxofonista e clarinetista) e JanjaGomes (reprocessamento e samples) e com eles formou o João ParahybaSexteto, que lançou o CD O samba no balanço do jazz (selo SescSP).

Paratocar temas que marcaram a música brasileira instrumental dos anos 1930, como“O Trenzinho do Caipira”, de Heitor Villa-Lobos, e dos anos 1960, como “Nanã”(Moacir Santos), “Sambou, Sambou” (João Donato), “Batida Diferente” e “EstamosAí” (Maurício Einhorn e Durval Ferreira), o sexteto de João Parahyba convidououtros grandes instrumentistas: Tiago Costa (pianista e arranjador), Clayber deSouza (gaitista), Nailor Proveta (clarinetista), Teco Cardoso (saxofonista eflautista), Marcelo Mariano (baixista) e Rodrigo Lessa (bandolinista). A esserepertório se somaram três composições do próprio João Parahyba, uma de Laérciode Freitas (cujo arranjo é do próprio Laércio), outra de Gilberto Pinto, outrade Janja Gomes, outra de Amilton Godoy (cujo arranjo é do próprio Godoy), outrade Rodrigo Lessa e Eduardo Neves e uma de Marcos Romera.

Para realçar suas interpretações, osinstrumentistas se revezam em meio a saborosos improvisos jazzísticos,aprazem-se com as requintadas melodias e vez por outra se juntam para sonorizaro conceito que se traduz na tal mistura do chiclete com banana apregoada por Jacksondo Pandeiro: harmonia de gêneros musicais universais e complementares (semantagonismos e posturas xenófobas) da cintura brasileira. O resultado dessaunião de genialidades é um samba elevado à máxima potência.

Em cada faixa tem-se a forte presença da bateria de João, que toca como um tremque, com suas rodas unidas a dois eixos que vão e vem, soa a batida ideal paraa levada do ritmo. Os outros instrumentos viajam juntos na fantasia.

Xique-xique-tic-tic-xique-xique-tic-tic,vai o trem abrindo caminho, com João Parahyba e seu talento inconteste àfrente, avivando o som musical da alegoria. O trenzinho segue delirante... Osamba-jazz está com ele.

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles, o CD de Rafael Altério

2011-10-24T16:14:00.002-02:00

Milagreiros,graças a Deus

“Elegbá veio, sou eu, elegbá, laroê/ Com Zumbi que veiode elegbá/ Pode tu, Zumbi Bará, pode ir/ Pode ir lá/ Que teu povo veio chamar”,versos de “Zumbi Bará” (Rafael Altério e Paulo César Pinheiro).Assim canta Rafael Altério, abrindo seu CD Santo de Casa (independente,com patrocínios). Aceitando o chamamento, levou consigo sua brasilidade e seussantos de casa: amigos de fé, músicos de boa cepa, todos integrados no papel desolidificar a mistura da sonoridade harmônica com o fervor rítmico, resultandoem música de brasileira qualidade.

Para tanto, contribuem os arranjos – a maioria de RafaelAltério (a direção artística é dele e de Celso Viáfora) – e as percussões,principalmente quando estão nas mãos de Kleber Benigno (Paturi), Márcio Jardime Nazaco Gomes, os meninos paraenses do Trio Manari. Aos tambores amazônicos sejuntam as teclas dos pianos (Paulo Calazans, Breno Ruiz e Rafael Altério), oacordeom (Breno Ruiz), a bateria (Gabriel Altério), a flauta (Teco Cardoso), ascordas dos violões (Luiz Ribeiro, Dani Black, Pedro Altério, Dani Altman eRafael Altério), o baixo (Marcelo Mariano), a guitarra (Léo Amuedo e DaniBlack) e o cello (Mariza Silveira). Toda essa gama infinita de sons vigorososdá a Rafael o direito de impor com dignidade o seu vozeirão – sua voz tem o seutamanho. Cercado de amigos, desde os instrumentistas até o coro feminino, elenão poderia deixar de também trazer para perto de si os parceiros letristas,Paulo César Pinheiro, Celso Viáfora, Joãozinho Gomes, Breno Ruiz e Rita(esposa) e Pedro Altério (filho). Todos santos da casa dos Altério,milagreiros, graças a Deus.

Ao ouvir as onze faixas do CD, entende-se perfeitamente oque Rafael quer com a música e o que ele ambiciona alcançar com ela: paraAltério, música é missão cultural. Sabedor de tamanha exigência para consigopróprio e para com sua obra, trata de criá-la como quem concebe um filho.

A pegada da pele dos tambores está presente em quase todasas faixas. Com o balanço comendo solto, impossível aquietar o esqueleto. Esegue o som, até que chega um momento de calmaria: André Mehmari tocando orapiano acústico, ora acordeom, e Rafael cantando, dele e Rita, “Flor de Rio”.

Logo a seguir, “Quando o Galo Cantar”, também dos dois. Ostambores do Manari e a flauta pontuam o início do canto. O pandeiro (DouglasAlonso) tem vez e segue até que o violão de aço, a bateria e o baixo, este comuma puxada de intensa pujança, juntem seu som à voz. A caixa da bateria conduzagora. O coro feminino reforça. O violão e a flauta fazem breve intermezzo.A melodia volta com Rafael e o coro... Meu Deus!

É a hora do sincretismo musical/religioso/afetuoso deAltério se despedir. E ele canta a letra de Joãozinho Gomes para “Camarada deOgã”: “Vou pela manhã, tô indo agora/ O dia raiou fora de hora/ Vai junto demim/ São Sebastião crivado/ São Bartolomeu irá ao meu lado”.

A casa dos santos de Rafael Altério está aberta.

Aquiles RiqueReis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles, o CD de Luiz Millan - Tocando nas nuvens

2011-10-10T09:00:00.000-03:00

Tocando nasnuvens

Entre Nuvens (independente) é o primeirodisco de Luiz Millan. Bom compositor, letrista inspirado, o trabalho é um belocartão de visita. A partir dele, sua passagem pela grande porta da músicabrasileira de qualidade se mostra real.

Michel Freidenson (arranjador e diretor musical) deu ao seuteclado e às flautas de Léa Freire (com direito a saboroso fraseado da flautabaixo) a responsabilidade de começar “E o Palhaço Chorou” (Mozar Terra e LuizMillan), música que abre os trabalhos. Junto com eles vão os violinos de LuizAmato e Esdras Rodrigues, a viola de Emerson De Biaggi e o violoncelo deAdriana Holtz. O som resultante cria a beleza que deságua no doce cantar de AnaLee. O chorinho de boa cepa segue brejeiro. O teclado toca notas de suaverequinte. A cortina do naipe de cordas deságua na amplidão da boa música.Afinada que só ela, Ana Lee dá à melodia o valor que enriquece os versos deMillan e a harmonia de Mozar.

“A minha máquina escreve letras sem pudor/ E frases perdidasentre a metafísica e o amor”, versos de “Montparnasse” (Plínio Cutait e LuizMillan), traduzem o objetivo poético de Millan. Para cantá-los, ConsigliaLatorre... Deus do céu! O que é a voz dela? Agudos límpidos, emoção à flor dapele, respiração impecável... O acordeom (Toninho Ferragucci) e o piano iniciama canção quase frágil, tamanha é sua delicadeza. O acordeom se destaca. Oviolão toca a harmonia, porém se faz protagonista num breve dedilhar de notasuníssonas com o canto. O intermezzo de acordeom e violão, como piano a fazer-lhes cama, é especial.

Ana Lee inicia “Mito” (Luiz Millan e Ivan Miziara), uma dasquatro músicas do CD para as quais Luiz Millan criou a melodia, não os versos.Mais uma vez, o arranjo de Freidenson usou cordas e teclado, além de baixo (SylvinhoMazzucca), cuja pegada reforça a levada sem tirar-lhe a suavidade, e bateria(Alex Duarte), que se vale dos pratos para acentuar a força dos versos, sem, noentanto, encobri-los. Tudo isso encarrega-se de vestir uma das mais belascanções do CD. Canção que parece feita para a voz de Ana Lee, pois, aocantá-la, transforma-a numa ode à paixão. O intermezzo deteclado e cordas é belo em sua fortaleza. Ao retomar o canto, Ana Leedelicia-se com palavras: “Tens esta partitura/ Nas vértebras finas/ Tua músicapura/ Rima íntima”.

“Outono” (Luiz Millan e Michel Freidenson), um dos doistemas instrumentais do CD, tem no sax soprano de Teco Cardoso o ponto departida. O teclado o acompanha. As cordas também. Mais um belo arranjo deMichel. O acordeom de Ferragucci chega para aumentar a temperatura e o prazerde fazer da música fonte de deleite estético.

Instrumentistas, cantoras, compositores, arranjadores, umgrupo coeso que só ratifica a excelência musical, instrumental, vocal e poéticade um trabalho que abre a possibilidade de mais um compositor se juntar ao timedos que fazem da música brasileira a mais rica e diversificada do mundo: LuizMillan.

Aquiles RiqueReis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles, o CD de Sérgio Sampaio

2011-10-03T09:00:00.000-03:00

O bloco volta àrua

O LP Sinceramente, de Sérgio Sampaio, lançado deforma independente em 1973, está de volta à praça. Se por acaso você, leitor,acha que nunca ouviu falar de Sérgio Sampaio, tente cantarolar este refrão: “Euquero é botar meu bloco na rua/ Brincar, botar pra gemer/ Eu quero é botar meubloco na rua/ Gingar, pra dar e vender”. Lembrou? Pois é... Sérgio Sampaioarrasou nesse baita sucesso.

Logo após o estouro nas vendas do compacto que continha “EuQuero É Botar Meu Bloco na Rua”, apresentada no VII Festival Internacional daCanção da TV Globo (1972), e não conseguindo igual êxito comercial nos três LPsque vieram a seguir, Sampaio foi tachado pela indústria fonográfica de “artistadifícil” e pela mídia de “autor maldito”.

Seu primeiro LP (1973) tem como título o mega hit Euquero é botar meu bloco na rua. Em 1976 veio o segundo: Tem queacontecer. E, relançado agora em CD, Sinceramente (1982)foi seu terceiro e último long play solo. Com onze músicassuas, sendo uma (“Cabra Cega”) em parceria com Sérgio Natureza, Sampaio abriu opeito e demonstrou o quanto sua alma estava dilacerada. Os tempos andavambicudos...

Contando com a participação talentosa de Renato Piau(pianista e parceiro de Sérgio Sampaio desde sempre), Zezinho Moura (pianoelétrico), Ricardo Feijão (baixo), Charles Chalegre (bateria), OberdamMagalhães (sax e flauta), Luciano (arp strings), Serginho Boré (percussão) ecom o violão acústico de Sérgio Sampaio, Sinceramente (SaraváDiscos) se revela um CD bem remasterizado, cujo som tem brilho e profundidade.

Além de samba, boleros e canções, o álbum tem baladas quedespretensiosamente namoram o brega, sem, contudo, permitir que se lhespespeguem tal adjetivo. Pois elas lembram, na verdade, a pujança transformadoradas baladas que Raulzito tão bem difundiu e Sérgio adotou.

“Essa Tal de Mentira” é uma canção na qual a boa voz deSampaio é embalada pelo som dos violões (um improvisa, enquanto o outroharmoniza) e do baixo. Os versos ecoam seus sentimentos: “Com a alma partida/Dando com o corpo nas grades da cela da vida/ Como num mar de paixão/ Náufragoque estende a mão/ Agarro o meu violão/ E canto uma canção”.

Luiz Melodia divide o canto com Sérgio no samba “DoceMelodia”, homenagem de Sampaio a Luiz Melodia. Divertidos e cheios de ginga, osdois se esbaldam e esbanjam malandragem.

O violão começa “Nem Assim”. A voz de Sérgio vem firme,entoando as dores da separação, mas tudo com muito bom humor.

Em “Sinceramente”, a música que dá título ao disco, os violõesacompanham a voz que vai aos agudos para cantar notas da melodia. Os versos sãoum louvor à independência, no sentido mais amplo do termo: “Não há nada maistranquilo/ Do que ser o que se sente/ E poder amar, perder, chorar/ Depoisganhar/ Assim sinceramente”.

Vítima de pancreatite, Sérgio Sampaio nos deixou em 15 demaio de 1994. Mais um dos grandes compositores que a música brasileira perdeupara o alcoolismo. Pena.

Aquiles RiqueReis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles, o CD de Patrícia Ahmaral

2011-09-26T09:00:00.000-03:00

O poder de umacantora

Depois de lançar dois discos, acantora e compositora mineira Patrícia Ahmaral volta à cena comSuperpoder (gravadopor meio da Lei Estadual de Incentivo à Cultura de Minas Gerais, com opatrocínio da Vivo).

Produzido pelo contrabaixistaFernando Nunes, também arranjador das treze músicas do álbum (em duas delasdividindo o trabalho com outros três arranjadores), contando com participaçõesespeciais de Lucinha Turnbull (em “Trilha de Luz”, da própria Lucinha) e deChico César (em “Sorry, Baby”, uma das três músicas de Patrícia presentes nodisco), tendo no repertório desde Alceu Valença, Lula Queiroga (autor dafaixa-título) e Belchior até Zeca Baleiro, Caetano Veloso e Torquato Neto,passando por Totonho, Vander Lee (presente com duas músicas – uma delas,“Revoada”, em parceria com Ahmaral), Paulo César Barros, Getúlio Cortes, CarlosTê e Hélder Gonçalves, Superpoder justifica o título: Patríciaé poderosa.

Seu poder maior advém da força doseu cantar. Levando as interpretações às últimas conseqüências, sem medo de sefazer intensa ou demasiada, as palavras lhe saem como petardos que miram oentusiasmo do ouvinte, trazendo-o pelo ouvido para a roda de fogo. A chama deseu canto acende o prazer de vê-la afinada, sem deslizes que pudessemcomprometer o seu desempenho.

Sua poética é forte, como mostramos versos da sua “Do Querer” e de “Sorry, Baby”, uma parceria com Chico César –que com ela divide o canto: Pelas mazelas/ Pelo medo/ Pelo soco nacara/ Pelo tapa na veia/ A navalha/ Pela noite escura/ Pela bala/ Pela infânciabandida/ Pela fumaça (...)

Os arranjos, tanto de uma quantoda outra, têm zabumba, triângulo, coquinho, caxixi, block, pandeiro árabe eganzá nas mãos de Bruno Santos. Têm ainda, a bateria de Luís Patrício e opandeiro e a cuíca de Guilherme Kastrup, tudo ajuntado ao acordeon (TatáSympa), ao violão de náilon (Fernando Nunes), ao violino (Júnior Gaiatto), aoviolão e ao banjo (Tuco Marcondes). A mistura confere à pisada riqueza surgidano calor e na fortaleza da cultura musical do Nordeste, com tempero das Gerais,coisa que o ouvinte num instantinho sacará, ainda que jamais tenha posto os pésnaquelas terras nem os seus ouvidos nunca tenham sentido a sua plenitude.

Para melhor avaliar uma cantora aquem nunca ouvimos antes, nada melhor do que ver como ela se sai numa músicacuja gravação marcou época. E Patrícia Ahmaral brilha em “Mamãe Coragem”(Caetano e Torquato), com direito à citação de outra canção deles, “Deus VosSalve Esta Casa Santa” e à levada pop de rico poder de arrebatamento... Caetanoadorará ouvir.

Com arranjo calcado em guitarras,violões e bateria, tendo o baixo a segurar as pontas e os teclados soandodetalhes precisos, “De Romance” (Zeca Baleiro) realça a modernidade do cantarde Patrícia, quando a fortaleza volta a dar as caras e vigora a cantorapoderosa que salta no escuro sem rede de proteção, voando pelo mundo que abreos braços e a acolhe.

Aquiles Rique Reis, músico evocalista do MPB4

Coluna do Aquiles, o CD de Mário Sève e Cecilia Stanzione

2011-09-19T09:00:00.000-03:00

Musicalmentenecessário

Logo que recebi Canciónnecesaria (Núcleo Contemporâneo), CD que reúne a cantora argentinaCecilia Stanzione e o compositor, arranjador e mago dos sopros Mário Sève,chamou-me atenção o título. Antes mesmo de rodar o disco pela primeira vez,pus-me a matutar sobre o seu significado.

Que atributos a música deve terpara se fazer necessária? Será que é o momento pelo qual passamos que a tornaimportante a ponto de marcar uma etapa de nossa vida? Será que é uma harmoniabem trabalhada, um verso que diz o que não conseguimos dizer ou o som de uminstrumento que atiçam a nossa emoção? Ou é o timbre de uma voz que se esgueirapelos poros, indo ao nosso âmago, atingindo o que temos de mais reservado, quefaz uma canção ser, de fato, necessária?

Uma música se faz imprescindívelquando nos surpreende, quando nos pega de jeito, de uma forma para a qual nãoestamos preparados. Necessária é a música que se faz trilha sonora de ummomento, tornando-se nossa parceira vida afora. Ela é necessária quando delanos tornamos amantes confidentes, quando só ela nos desperta o choro ou aalegria. Necessária é a canção que nos faz reféns das garras do seuencantamento.

Canción necesaria traz onze faixasde autoria de Cecilia e Mário: “Una Milonga” tem belíssimo arranjo de GabrielGeszti, no qual pontificam o sax tenor de Sève, o violão e o baixolão de ReneRossano, o cello de Lui Coimbra e o piano e o acordeon de Geszti. Com umsingelo desenho melódico de seis notas (por vezes trocando a nota final) tocadopelo baixolão, ora só, ora com o piano, e que se repete desde a introdução atéo final, vem a voz caliente de Cecilia Stanzione.Poderosamente afinada, criativamente emocionada, enquanto lhe dá ares épicosela reforça a dor da canção, criando atmosfera lírica e sombria ao mesmo tempo.O diálogo da voz com o acordeon é rico em interpretações várias. O piano e ocello criam um módulo sobre o qual o arranjo flui como um rio tranquilo O saxse une a eles para, com a voz de Stanzione, encerrarem. Meu Deus, eis umacanção necessária.

O violão toca desenho desimplicidade contagiante. A voz que dá início a “Justo Ahora” é de NeyMatogrosso – a levada da canção tem a cara das músicas em que Ney mais brilha,e ele não nega fogo. A puxada do baixolão carrega junto o sax e o violão. Oarranjo de Mário Sève dá ainda mais sabor à música, ela que ganha muito maispeso quando Cecilia se junta a Ney, em preciso dueto com direito a vozesabertas. O intermezzo de sax e acordeon é papa fina. Comvocalises e o acordeon, vão ao final.

Apenas a voz e o acordeoninterpretam “Perfume de Violetas”. A simplicidade do arranjo de Gabriel Gesztipermite que a voz de Cecilia ganhe profundidade. Carregando nos erres, ela sedesvela em carinhosa e afinada interpretação, e seus agudos soam com a precisãode faca cortando manteiga.

Canción necesaria é um trabalhoque merece toda a atenção, pois se trata de um CD musicalmente necessário.

Aquiles Rique Reis, músico evocalista do MPB4

Coluna (reflexão) do Aquiles

2011-09-12T14:26:00.000-03:00

Um pássaro chamado Sucesso

Ele nasceu cego num ninho no forro de um velho teatro.Rejeitado por pais e que tais, foi abandonado para que definhasse sua solidãoaté que a morte viesse. A companhia teatral acompanhou o nascimento de suaplumagem e, mesmo sem compreender exatamente o que fazia ali aquele pássaro diae noite, quase imóvel, no alto do madeirame que sustentava o cenário, aprendeua conviver com ele. Era com se fizesse parte da montagem do espetáculo. Um atora mais.

O pássaro cego cresceu alimentando-se de palavra e música.Ousava voar quando se fazia o silêncio. Como um fantasma, conheceu cada cantodo teatro. Deixava-se ficar por longo tempo nos camarins. As gavetas vazias,ah! Quanta magia naquela ausência de objetos. Gavetas prenhes de desejos,repletas de confidências não reveladas. Desejou morar numa delas. Sentindo ocalor das luzes que emolduram o espelho, o pássaro cego tentava vislumbrar suaimagem. Em vão.

Dia de estreia. “Lotação esgotada”, dizia a placa penduradana bilheteria. A plateia rebuliça. A coxia treme. O pano sobe. As luzesacendem-se. O pano sobe, o espetáculo começa. Cai o pano. Osaplausos vêm como uma chuva forte, torrencial. Imóvel, o pássaro vibra. O somdas palmas entra por sua penugem e soma-se às palavras e músicas que lhehabitam o corpo.

No proscênio o elenco agradece ao público. Acende-se umrefletor em contraluz. Vislumbra-se uma sombra em silhueta. Num gesto teatral,a atriz principal olha para o alto. Todos acompanham seu movimento. Sua voz vemfirme: “Pássaro que está prestes a morrer, para que tu não vás pagão eu tebatizo. De hoje até tua morte inevitável e prematura, atenderás pelo nome deSucesso.”

Finda a temporada, novos teatros acolheriam a trupe quecontinuaria buscando fazer a emoção e o riso chegarem à plateia. Esta é a vidade quem vive para o teatro. Cada palavra, cada nota musical, é buscada dentroda alma e despejada sobre o espectador na esperança de vê-lo feliz.

Pássaro espetáculo, Sucesso ama tanto o palco quanto ao arque o sustenta em voo. Quando a cidade dorme, ele decola para sua missão:inocular o vírus do amor ao teatro nos que sonham. Movido por sua cegueira, ele“sente” quem devaneia. Em suas casas Sucesso pousa. Dá três batidas, como as deMolière, e as janelas abrem-se, como cortina do teatro.

Iluminado na cegueira, Sucesso anuncia, em versos, osespetáculos que estão em cartaz na cidade. Envolto em panos teatrais, ele fazcom que suas palavras invadam o coração daqueles que nas noites seguintes irãoao teatro. Sucesso voa, também, até a janela dos artistas que desafiam otamanho das salas de espetáculos. Seja astro ou principiante, o pássaro invadeseus corações, dando-lhes esperança e força.

Sucesso volta ao teatro, adormece no camarim e sonha com Goethe,que recita a primeira frase de sua “Carta de Aprendizado”, escrita para opersonagem Wilhelm Meister: "Longa é a arte, breve a vida, difícil ojuízo, fugaz a ocasião (...)"

Aquiles RiqueReis, músico e vocalista do MPB4

PS. Aguenta firme,Doutor Sócrates!

Coluna do Aquiles, o CD de Antonio Adolfo

2011-09-05T09:00:00.001-03:00

Os três mosqueteiros da música brasileira

Guinga e Chico Buarque são compositores atemporais, suas músicas estão entre as que se perenizarão, cada vez mais, ao longo da história. Graças a seus talentos incontestes, são amados e tidos, pela grande maioria, como modelos musicais; mas são também contestados, há quem os veja como passadistas.

O pianista e compositor Antonio Adolfo aderiu àqueles que distinguem a importância dos dois. E ao dedicar seu novo disco a uma parte de suas obras, Antonio avaliza seus talentos. Ao homenageá-los lançando Chora Baião (Antonio Adolfo Music), ele lança um novo olhar sobre eles. E para melhor assim ser, lá está sua musicalidade latente nas onze faixas do CD: cinco músicas do Guinga, sendo duas só dele e três em parcerias com Buarque, Celso Viáfora e Aldir Blanc; três do Chico e três do próprio Antonio Adolfo.

Para realizar o trabalho, foi arregimentado um time de larga experiência e de alta qualidade: Leo Amuedo (guitarra), Jorge Helder (baixo), Rafael Barata (bateria), Marcos Suzano (percussão) e Carol Saboya (vocais), além do irrepreensível piano do dono do pedaço. Ao privilegiar os ritmos que dão título ao CD (o choro e o baião – gêneros nos quais Guinga e Buarque são mestres), ele faz com que o conjunto tenha uma unidade que só faz aguçar o prazer de ouvi-lo.

A guitarra de Amuedo é movida a concisão: os solos são exemplos do menos que é muito mais. Seuintermezzo em “Dá o Pé, Loro” (Guinga), modelo de como a técnica e a emoção podem e devem andar juntas, eleva-o a uma categoria ímpar em seu ofício.

O baixo de Jorge Helder traz a segurança de que todo grupo carece para se fazer mais suingado e coeso. Basta ouvir “Morro Dois Irmãos” (Chico Buarque) e sacar a justeza da pegada do cara.

A percussão de Marcos Suzano, principalmente quando ele está ao pandeiro, impregna de brasilidade até samba de roda composto e tocado por dinamarqueses (com todo o respeito a eles, claro!). Para não dizerem que minto, lá estão ele e o pandeiro, brilhantes, em “Di Menor” (Guinga e Celso Viáfora).

A bateria de Rafael Barata soa com a precisão dos grandes bateristas. Sua leve levada nos pratos, sem deixar que o som se espalhe em demasia em “Gota D’Água” (Chico Buarque), atesta isso.

Carol Saboya participa cantando “Você, Você” (Guinga e Chico Buarque). Sua voz, de afinação cristalina, está bem avivada pelo piano paterno que a acompanha como se a levasse pela mão num passeio à beira-mar.

E tem tudo isso e muito mais. Pule de dez, tinha tudo para dar certo um CD no qual Antonio Adolfo se dispôs a juntar seu talento ao de Chico e Guinga. Deu! Discaço! Pois, convenhamos, som contemporâneo é a melodia rica que emoldura a harmonia iluminada por versos e/ou por instrumentos; som moderno é o talento que se revitaliza a cada acorde. Modernos e contemporâneos são Chico, Guinga e Antonio, eles que estarão sempre um passo à frente da modernidade de fancaria, sempre um compasso adiante do modismo de mercado.

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles, o CD de Delia Fischer

2011-08-29T09:00:00.001-03:00

Sagração à música

A pianista, compositora, cantora e arranjadora Delia Fischer lançou Saudações Egberto (Sesc Rio). Um disco em louvor à música de Egberto Gismonti.

Privilegiando composições já conhecidas do compositor, instrumentais ou não, mas que sempre encantaram dadas suas admiráveis qualidades, Delia deu mostras de profunda sensibilidade. Seu piano e sua voz, ungidos pela tranquilidade que vem com a maturidade, acrescentam nuances outras ao repertório de um dos nossos mais instigantes músicos contemporâneos.

Compositor pleno de soluções da mais absoluta imprevisibilidade, bem que Egberto merecia ser revisitado por alguém com a disposição de repensá-lo e de dar à interpretação sua própria linguagem musical, livre de qualquer pré-conceito já cristalizado. E é exatamente isso que Delia traduz em cada uma das treze faixas escolhidas para seu álbum: um jeito só seu de fazer com que as canções de Egberto soem como o ar puro que se revigora após o temporal. Tudo isso, aliado à impecável técnica que Delia tem como pianista, dá a Saudações Egberto tamanha unidade que faz dele um disco de consistente encorpadura.

A contemporaneidade logo dá as caras com “O Sonho” (Gismonti). O arranjo é do “pirulito carijó” (quando algo era muito bom, dizia-se assim lá em Niterói). Moderno, refaz o caminho sonhado por Egberto. O teclado de Sacha Amback desconcerta, tal a sua capacidade de proporcionar ligação entre a percussão (intensa) de Naife Simões, o violino e o cellolino (com pizzicatos primorosos) de Pedro Mibielli, o baixo (seguro) de Pedro Guedes e a voz e o piano de Delia Fischer.

Segue-se “Lôro – Cor de Sol” (Gismonti e Eugenio Dale). Delicado, o violão começa. Delia inicia o canto. Seu piano se junta ao bandolim (Pedro Mibielli). A melodia de Egberto agradece o carinho. O intermezzo de piano tem a bateria em batida leve, mas firme. Ao voltar o canto, a caixa soa uma levada de maracatu. O suingue aumenta. O piano brilha; bandolim e violão também. A harmonia se mostra plena em sua concepção original, acrescida por criativas inserções.

O piano começa a versão instrumental de “Palhaço” (Gismonti e Geraldo Carneiro). A delicadeza está em cada tecla percutida por Delia. O violino e o flugelhorn (Naife Simões) criam sonoridade ímpar. Logo o violino faz belo solo. O piano o acompanha, até puxar para si o improviso. O piano sola. A sonoridade do flugel e do violino volta a protagonizar. O piano retoma, o violino se junta a ele. Volta o som do violino e do flugel... Meu Deus!

E tem ainda Egberto tocando violão de 10 cordas na sua “Saudações”; Paulinho Moska cantando com Delia “Um Outro Olhar – Pêndulo” (Gismonti e Ronaldo Bastos), ela que por sua vez vai de Fender Rhodes em “Dança das Cabeças” (Gismonti) e, só com o seu piano, canta “Auto-Retrato” (Gismonti e Geraldo Carneiro), um monumento à solidão, doce utopia.

Ao homenagear Egberto Gismonti, Delia Fischer consagra a música, faz dela um testemunho de fé no músico brasileiro.

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles / Memórias, última parte

2011-08-22T09:00:00.002-03:00

Fim de temporada no Leblon

Hoje eu acordei com a macaca; a cobra vai fumar; eu estou é com a cachorra. Para além de parecer palpite para terno de grupo no jogo do bicho, esse foi o sentimento que me assaltou quando abri os olhos.

Que manhã de sol, meu Deus! Domingo como há muito o Leblon não via. Nuvens batiam em retirada, empurradas por um final de sudoeste frio que a tudo limpa e regenera. Pulei da cama com entusiasmo quase juvenil para quem ainda carregava na memória os fatos lamentáveis do domingo anterior de sol no Leblon, após tanto tempo afastado.

Num arrepio, a cena dantesca de corpos seminus amontoados no calçadão da praia voltou a me assombrar. Nunca poderia imaginar que causaria aquele engavetamento erótico só porque, subitamente, me abaixei para amarrar o cadarço do tênis. Com pavor, revi a cena de arena de circo romano, quando ao apontar as Cagarras, acertei um direto no queixo de um lutador de jiu-jitsu que passava acompanhado do seu dogue alemão. Scud, assim chamavam o meu quase carrasco, o que quase me levou pro solo e me fez mulher, como diria o sábio-erótico Wando.

Abri os olhos disposto a esquecer qualquer desventura que pudesse macular aquele azul suave que descia à terra. Nem mesmo a lembrança incômoda daquele encontrão desajeitado que tive de aplicar num poodle, que quase o jogou no mar e me tirou o bom humor. Fomos.

Vejo que Chico Buarque caminha rapidamente em nossa direção. Pronto, pensei, mais um que vai passar batido... O cumprimento vem acompanhado de um sorriso largo. Olho para minha mulher, sua cara é de incredulidade. Sorrio como quem diz: "Viu só?"

Seguimos felizes. Estava linda a minha mulher iluminada pelo sol. Foi quando uma lufada de vento carregou-lhe o chapéu de palha molenga que a protegia. Disposto a impedir que aquilo pudesse atrapalhar nossa dia, saí desembestado atrás. Fintas, volteios, subidas bruscas, descidas em espiral, ziguezague pra cá, ziguezague pra lá e eu, já tonto, perseguindo o chapéu de palha molenga da minha mulher. Por entre os carros, dentro d’água, no meio do vôlei. Meu Deus! Estava tomando um baile do chapéu de palha da minha mulher molenga, ou melhor, do chapéu molenga da mulher de palha... Xiii!

Mas aqui já é a entrada do Túnel Rebouças? O chapéu entrou. "Táxi, siga aquele chapéu!", ordenei. Já sem fôlego, percebi que àquela altura o helicóptero da Rede Globo mandava imagens da "obstinada perseguição" para todo o Brasil.

As pessoas vaiavam a cada drible que eu levava. Surdo pelo cansaço, eu ainda conseguia ouvir sons distantes: "Esse velho vai morrer" e "Calma, coroa". Linha Vermelha, e o chapéu de palha molenga da minha mulher acabando comigo. Chego à Pavuna: Via Dutra – São Paulo a 426 quilômetros. Agora não tem mais volta, pego essa droga de chapéu nem que seja lá no Paraíso.

Pronto, estou em casa. O chapéu, amarrado ao pé da mesa, parece que ri. "Alô! Nilza, pegue a primeira ponte aérea e volte para casa, tá? Estou te esperando. Um beijo".

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles / Mais memórias

2011-08-08T09:00:00.001-03:00

Um falso paulista na ilha do Leblon

Com o sábado acabando, fui dormir animado. Amanhã será o grande dia. Após um tempão, estou de volta ao Leblon, ilha que tem, à frente, o mar; à esquerda, o canal do Jardim de Alá; à direita, o canal da Rua Visconde de Albuquerque e atrás, a Lagoa Rodrigo de Freitas.

Tentando aparentar modéstia, fui logo prevenindo minha companheira: “Olha, Nilza, não sei se teremos tranquilidade na caminhada que faremos amanhã pelo calçadão. Provavelmente a cada passo serei abordado por velhos conhecidos, alguns poucos e bons amigos que cultivei na época em que eu fui morador do Leblon. Peço-lhe um pouco de paciência e compreensão, afinal, há tempos sem passear pela praia numa manhã de domingo, terei que atender a todos”. Dito isso, apaguei a luz e não dormi. Como dormir imaginando a cena gloriosa que eu já antevia para o dia seguinte?

Acordei com o sol entrando pelo quarto. Levantei-me discretamente pensando: “Teremos um longo dia pela frente”. Mas não custa nada disfarçar o paulistês da minha linguagem. Já pensou entrar num bar, o Bracarense, por exemplo, e sapecar: “Três pastel e um chopps, faz favor, belo”? Não tenho nada a esconder, mas nesse primeiro domingo seria legal não dar muita bandeira.

Paramentado, segui em direção ao calçadão, palco da minha volta triunfal ao convívio com os cariocas do Leblon. Levando Nilza pela mão, respirei fundo e pisei nas pedras portuguesas como quem pisa num tapete de memórias: “Vamos andar até o canal do Jardim de Alá”, sugeri. Trinta metros de caminhada, se tanto, o cadarço do meu tênis novo desamarra. Displicentemente, como convém a um típico morador do Leblon, me abaixo para amarrá-lo. Pra quê, rapaz! Uma senhora que vinha logo atrás de mim quase montou nas minhas costas. O casal atrás da senhora trançou as pernas no pescoço da coroa e assim, sucessivamente, corpos seminus e bronzeados foram se embolando numa cena dantesca e imoral que se estendeu até a Avenida Niemeyer. Não fiquei pra ver, mas ouvi dizer que os bombeiros vieram com um carro pipa para separar os corpos engavetados.

Depois de muito procurar, encontro a Nilza aos prantos. Para acalmá-la, aponto na direção das ilhas Cagarras. Estranho... Não me lembrava de que no meio do calçadão tinha um muro. Que muro coisa nenhuma! Ao esticar o braço, encaixei um direto na orelha amarrotada de tanto esfregar no tatame de um garotão que levava um dogue alemão pela coleira. A galera chegou junto. “Beleza, Scud, bota o paulista pra dormir.” Que apelido singelo, o do cara, não? “Scud”! Um fofo. “Aí, Isshcud, leva o velhote pro chão e finaliza ele.” Me senti numa arena com o povo pedindo meu sangue. O tal do “Scud”, sensível e generoso, ainda meio zonzo, decretou: “Deixa o coroa ir embora, esse cara não dá nem pra saída.” Ô homem bom, esse “Scud”.

Chamei minha companheira e segui caminho. Prudentemente, ela perguntou: “Vamos voltar pra casa?” De jeito nenhum! E os meus conhecidos? Seguimos caminho.

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles / Memórias

2011-08-01T09:00:00.000-03:00

O dia em que o passado voltou

Cai uma garoa fina. Minha nau capitânia desliza cuidadosamente rumo a uma terra distante. Velas ao vento em direção ao descobrimento do presente desconhecido. A neblina desce como uma cortina pesada sobre o passado que carrego como um fardo. Não estou nem alegre nem triste, apenas navego. Não estou cansado nem desperto, apenas sigo. Levo na mala as recordações e uns poucos sonhos. Carrego o medo de monstros que nunca vi, mas sei que existem.

Após mais de um quarto de século, as correntes me arrastam para uma ilha que já conheci bem. Lá, nessa pequena ilha, já fui de casa. Hoje, lá, não guardo mais tesouros, apenas memórias. Nessa ilha, hoje não tenho mais amigos, apenas conhecidos. Gente que fala uma língua que quase não entendo, linguagem que expressa o que não sinto mais, e que talvez nunca tenha sentido.

A nau busca o destino. Sinto frio. Um frio na alma, dentro de um corpo que traz marcas de tatuagens de serpentes e corações de mães. Alma que transborda emoções que não se contentam em estar ali, querem voar.

A placa presa no bico de uma impávida gaivota anuncia: “Leblon à esquerda”. Instintivamente giro o leme para onde a seta aponta. Lá é a minha ilha, penso, depois de tanto tempo nela aportarei outra vez. À frente, o mar. À esquerda, o canal do Jardim de Alá. À direita, o canal da Rua Visconde de Albuquerque. Atrás, a lagoa Rodrigo de Freitas. No meio, um dos meus passados. E lá nesse meio um filho, o mais velho.

Recebo-o na sala do apartamento onde passarei os próximos trinta dias. Ele olha ao redor e, súbito, seus olhos estancam na garrafa de Fernet Branca, minha bebida amarga, forte e favorita desde sempre. “Pai, essa garrafa já estava aqui ou foi você quem trouxe? Eu me lembro desse desenho no rótulo, dessa águia. Puxa vida, pai, já faz tanto tempo, como é que eu ainda me lembro?” O que responder? Não tem resposta não, filho. Você não esqueceu. Só isso. Quando deixei a ilha, filho, você era bem pequeno, passeávamos na calçada, íamos à praia, você e sua camisa do Flamengo, lembra? E o dia em que você corria sozinho pela beira d`água e uma onda o derrubou, lembra? Lá atrás, tentei voar para alcançá-lo. Seu pai não sabe voar, filho. Quando deixei essa ilha, filho, você me acompanhava por botecos que me serviam a cerveja que prenunciava a partida.

Hoje fomos beber chope no seu bar, servido pelo seu garçom. Andamos pelas ruas da sua ilha, filho. As noites do Leblon, filho, agora são suas. Você as conquistou com sua maioridade e sabedoria.

Leve-me por aí, mostre-me o que já conheci, lembre-me do que nunca esqueci, faça-me voltar o tempo de quando nos separamos, diga-me que nada foi em vão. Enquanto minha nau estiver aportada nessa ilha, filho, será como a volta do passado ao seu porto. Serei, por um breve tempo, um ilhéu antigo. Falarei sua língua, sentirei seu tempo passar e me permitirei lembranças boas e más. Serão as lembranças que levarei quando eu voltar a partir.

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles, o CD de Carmen Queiroz

2011-07-18T09:00:00.001-03:00

Uma cantora definitiva

Ela nasceu no Paraná. Vivendo na capital paulista desde o início dos anos 1980, iniciou ali sua trajetória de cantora popular. Vinte anos de carreira. Até hoje gravou quatro discos. Há tempos não sentia o que experimentei ao ouvi-la cantar: certeza de estar diante de um talento definitivo, pronto, acabado e retocado... Mas poucos a conhecem. Meu Deus!

Sua voz é marcante, diferenciada; sua brejeirice assombra; sua delicadeza cativa; suas interpretações têm estilo próprio, único; o vigor do seu cantar é arrebatador; o timbre parece envolto em veludo; afinação indo às notas como a seta vai ao alvo; noção rítmica digna de aplausos entusiasmados... Uma grande cantora.

Não bastassem tantos predicados, ela canta o que lhe habita a alma, ali entranhada desde tempos idos. Ouvindo canções que se fizeram trilha sonora de seu passado e presente, forjou em canto a emoção que marcaria seu destino. Feito cicatriz, a música misturou-se à sua pele, grudou-se a ela e foi-lhe à corrente sanguínea, bombeando energia a tripas e músculos. Coração aberto à música, sua vida é cantar o que sabe ser seu, por destino e serventia... Mas poucos têm o prazer de escutá-la.

Ela é Carmen Queiroz, a que gravou Enquanto eu fizer canção (independente), cuja direção musical coube ao violonista Edmilson Capelupi. Num dos mais belos momentos do disco, tocou a ele e seu violão acompanhá-la em “O Meu Amor” (Chico Buarque). O instrumento, parecendo se desdobrar em vários outros, se faz de orquestra de cordas e cria atmosfera de enobrecer a canção.

Os efeitos e a percussão de Guello, o baixo de Edson Alves, o acordeom de Olívio Filho e o violão de Natan Marques criam o clima perfeito para Carmen interpretar “No Dia Em Que Eu Vim Embora” (Caetano Veloso e Gilberto Gil). O violão faz a introdução. A voz de Carmen soa crispada. O acordeom ameniza a crueza. A percussão bate coco. O baixo dá o chão... Caetano e Gil, se ainda não o fizeram, deveriam ouvi-la, isso lhes produziria enorme prazer.

Em “Alô... Alô?” (André Filho), o som grave do clarone (Mário Marques) se sobressai junto à flauta (João Poleto) e aos clarinetes (João Francisco e Alexandre Ribeiro). A percussão suinga... E tome polca.

Cantando “Nenhuma Lágrima” (Sueli Costa), Carmen tem no clarinete (Alexandre Ribeiro) contraponto perfeito. Acrescentando-lhe malemolência, o chorinho se faz mais lamentoso pelo violão de Capelupi e o bandolim de Milton Mori.

Para homenagear Ângela Maria, Carmen Queiroz se dilacera cantando “Tango Pra Tereza” (Evaldo Gouveia e Jair Amorim). Ao violão, só Edmilson Capelupi. E para que mais?

Hermínio Bello de Carvalho escreveu versos para “Estrada do Sertão” (João Pernambuco), faixa bônus que conta também, uma vez mais, com apenas o violão de Capelupi. Fortalecida pela sensibilidade e por sua memória musical, a voz de Carmen amplia a emoção do disco... E poucos a conhecem. Meu Deus!

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Saudade: descanse em paz, Billy Blanco. E quanto ao seu desejo, “Aconteça o que acontecer, não parem nunca de cantar”, deixe com a gente, seguiremos cantando.

A Morte do Pato - Patrocine!

2011-07-13T09:51:00.000-03:00

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Espetáculo "A Morte do Pato", com direção e texto de Renato Carrera.
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Coluna do Aquiles, o CD de Ricardo Machado

2011-07-11T09:00:00.000-03:00

Memória musical afetiva

Ricardo Machado lançou A sombra confia ao vento (independente), onde estão músicas que foram destaque no início e meados do século passado. São canções que fazem parte da memória musical afetiva do cantor; músicas que estão para ele como uma foto pendurada na parede da emoção... Assim como também para cada um de nós há um repertório que nos ampara desde sempre.

Ricardo canta canções que não se imagina um intérprete selecionando para compor o repertório do seu álbum. Assim, soa de forma quase inusitada a regravação de “A Casinha Pequenina” (canção popular tradicional) e “Se Essa Rua Fosse Minha” (modinha tradicional). Mas o que pode parecer num primeiro momento insólito, é, na verdade, uma forma corajosa de reavivar emoções já quase à flor pele. A verdade em forma de sentimentos que não voltam, mas se perpetuam através de melodias e versos longínquos.

A seleção musical de RM segue apontando caminhos que nem de longe se pode achar fácil de ser trilhado. Misturando Chiquinha Gonzaga (“Menina Faceira”); Waldir Azevedo e Miguel Lima (“Pedacinhos do Céu”) e Carlos Gomes e Francisco Leite de Bittencourt Sampaio (“Quem Sabe?”) com Fredera (“Sábado”); Zé Renato, Juca Filho e Cláudio Nucci (“Toada”) com Cartola (“O Mundo é um Moinho”) e Nelson Cavaquinho e Guilherme de Brito (“A Flor e o Espinho”), o álbum adquire o jeitão de um panorama musical popular brasileiro.

Ricardo Machado é afinado e divide com sabedoria as frases melódicas. Embora, por vezes, abuse do vibrato nas notas mais longas, seu timbre é agradável; sua extensão vocal (embora também se saia bem nos agudos) tem como força maior as notas de escala intermediária. Mas o principal é que suas interpretações têm marca registrada, pois ele canta de mãos dadas com a emoção e convicto da beleza de poder dividir com seus ouvintes o chamamento que lhe sai do peito e ganha contorno de história vivenciada através da música.

Com singeleza e contemporaneidade, em “Prece ao Vento” (Gilvan Chaves, Alcyr Pires Vermelho e Luiz Câmara Cascudo) Dirceu Leite brilha na flauta e Afonso Marins, no baixo; “Melodia Sentimental” (Villa-Lobos e Dora Vasconcelos) traz bela participação de Maria Clara Valle no cello; em “Casinha Pequenina”, destaque para o sete de Toni 7 cordas e o bandolim de Ricardo Calafate (arranjador e diretor musical); em “O Trenzinho do Caipira” (Heitor Villa-Lobos e Ferreira Gullar), o violão, mais o piano acústico de Kiko Horta, dão leveza à levada; em “Serra da Boa Esperança” (Lamartine Babo), Kiko Horta arrasa no acordeom; e em “Castigo” (Dolores Duran) acompanhamento e o solo da guitarra de Ricardo Calafate nos tocam e emocionam pela brandura da lembrança.

Ricardo Machado nos convence definitivamente de que, quando a sombra confia no vento, ambos voam juntos, do passado ao futuro, fazendo do presente o momento mágico de reverenciar as músicas que amamos.

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Saudade: Perdemos Mário Chamie. Foi-se o grande poeta, ficam suas palavras.

Coluna do Aquiles, CD em homenagem a Nelson Cavaquinho

2011-07-04T09:00:00.000-03:00

A música de um gênio

Thiago Marques Luis produziu Uma flor para Nelson Cavaquinho – 100 anos (Lua Music), que abre com “Quando Eu Me Chamar Saudade” (Nelson e Guilherme Brito). O cello toca; o violão e Alcione vêm para dar dramaticidade à obra.

“Palhaço” (Nelson, Oswaldo Martins e Washington). Violão e piano acompanham Leci Brandão. A dor dos versos amplia seu canto.

“Minha Festa” (Nelson e Guilherme). Emílio Santiago, com belos graves, realça o melodista Nelson Cavaquinho.

“Folhas Secas” (Nelson e Guilherme). Tânia Maria canta serena. A poesia ganha beleza. Sobre o improviso do trombone e do piano, tudo flui até os vocalizes de Tânia.

“A Mangueira Me Chama” (Nelson, José Ribeiro e Bernardo de Almeida Soares). Eis Beth Carvalho. Se o samba chama, ela vem. Definitiva.

“Degraus da Vida” (Nelson, César Brasil e Antônio Braga). Luiz Melodia canta o samba, um dos que mais expõem o lado desventurado do poeta da Mangueira.

“Luz Negra” (Nelson e Amâncio Cardoso) está com os graves de Arnaldo Antunes. Nelson é pop. Antunes sabe disso. O arranjo refaz o clássico.

“Se Você Me Ouvisse” (Nelson e Guilherme) tem Verônica Ferriani cantando o sofrimento em versos. Afinada como poucas, ela soa plena.

“Rugas” (Nelson, Augusto Garcez e Ari Monteiro). Benito de Paula e seu piano, cheio de quebradas, atenuam a tristeza.

“A Flor e o Espinho” (Nelson, Guilherme e Alcides Caminha). Ângela Ro Ro canta admiravelmente a obra-prima. O cello aguça a levada bossa nova.

O samba esquenta com Teresa Cristina cantando “Quero Alegria” (Nelson e Guilherme) e apresenta, digamos, um lado mais solar de Nelson Cavaquinho.

“Pranto de Poeta” (Nelson e Guilherme), cantado por Fabiana Cozza, acompanhada apenas por violão, é de arrepiar.

Cello e bateria recriam a trágica atmosfera de “Luto” (Nelson, Guilherme e Sebastião Nunes). O angustiado pedido do poeta é feito notavelmente pela pouco conhecida Milena.

“Ninho Desfeito” (Nelson e Wilson Canegal). O piano e a voz de Cida Moreira são dignos intérpretes de Nelson Cavaquinho. A emoção avassala a dor da despedida.

Zezé Motta canta “Beija-Flor” (Nelson, Noel Silva e Augusto Thomaz Júnior).

O cavaco e o ritmo começam. Diogo Nogueira canta “Cuidado Com a Outra” (Nelson e Augusto Thomaz Júnior) e acentua a picardia dos versos.

Com direito a intermezzo de sax e muita percussão, Graça Braga canta “Fora do Baralho” (Nelson, José Ribeiro e Antônio Gomes Faria).

“A Vida” (Nelson e Guilherme), na voz de Rita Ribeiro, só com violões, é definitiva demonstração do valor tanto do compositor quanto da cantora.

Marcos Sacramento arrasa em “Dona Carola” (Nelson, Nourival Bahia e Walto Feitosa. O suingue contagiante o eleva ao patamar dos bambas do samba.

“Duas Horas da Manhã” (Nelson e Ari Monteiro), por Filipe Catto e sua voz surpreendente, tem bela versão carregada de criatividade.

Zeca Baleiro fecha o CD com “Juízo Final” (Nelson e Élcio Soares), obra definitiva de Nelson Cavaquinho, gênio nascido há 100 anos. Saudades.

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles, o CD do cantor Fábio Jorge

2011-06-27T09:00:00.000-03:00

O chansonnier do século 21

A voz é doce, encorpada; o timbre, grave, agradável; a afinação, acurada; as divisões rítmicas, cuidadosas; a pronúncia, impecável; a instrumentação, concisa; e, no repertório, canções francesas (a maioria), americanas, italianas e brasileiras – estas últimas, vertidas para o francês. Eis um breve resumo das potencialidades de Fábio Jorge e de seu disco Chanson Française 2 (Lua Music).

Paulistano, filho de pai brasileiro e mãe francesa, o chansonnier do século 21 se desvelou para produzir um trabalho que lança aragem fresca sobre a música francesa, aquela que, de tempos em tempos, recupera seu lugar de destaque no cenário musical internacional.

Produzido por Thiago Marques Luiz, o CD traça um sábio caminho que transforma em francesas músicas de Gonzaguinha, “Jeu de Blâme” (“Grito de Alerta”); Dolores Duran e José Ribamar, “Tendrement”, (“Ternura Antiga”), estas duas com versões de Fábio Jorge; Edu Lobo e Torquato Neto, “Adieu” (“Adeus”), versão de Cauby Peixoto; Matteo Chiosso e Giancarlo Del Re, “Parole, Parole”, versão de Michaele; Burt Bacharach, “Les Yeux de L’Amour” ("The Look of Love”), versão de Gérard Sire; Arnold Goland e Jack Gold, “Comment Te Dire Adieu”, versão de Serge Gainsbourg.

E faz delas irmãs consanguineas das de Charles Aznavour e G. Garvarentz, “Les Plaisirs Démodés”; J. Dréjac e Michel Legrand, “L’Été 42”; Alain Barriére, “Ma Vie”; Michel Legrand e Francis Lai, “Je N’Attendais Que Toi”; Françoise Hardy e Tuca, “La Question”; Michel Vaucaire e Charles Dumont, “Non, Je Ne Regrette Rien”.

“Ma Vie” inicia o disco. Com apenas o piano de Gustavo Sarzi a acompanhar Fábio Jorge, e arranjo de Thiago Marques, o clássico ganha dramaticidade.

Piano e bongô (Nahame Casseb) começam “Tendrement”. Inspirado por Dolores Duran, Fábio interpreta e comove. O violão de Ronaldo Rayol (também arranjador) toca belo intermezzo. É quando Cida Moreira chega para participar, (en)cantando a letra em português.

Tuca, cantora paulistana que, antes de se mudar para Paris, fez sucesso no início dos anos 1960, escreveu os versos de “La Question”. O violão de Rovilson, o baixo acústico de Eric Budney e o piano de Daniel Bondaczuk (arranjador) dão suporte à voz de Fábio para que ela seja terna, como pede a melodia de Françoise Hardy.

É hora de Cauby Peixoto cantar com Fábio Jorge sua versão para “Pra Dizer Adeus”. Meu Deus! O violão de Ronaldo Rayol, também arranjador, remata a entrada. Envolto em suave reverber, FJ começa o canto. E vem a segunda parte; com ela, o mestre e seu discípulo se emaranham na teia da emoção.

O piano toca. Fábio canta. O acordeom de Irene Mutanen surge. O baixo acústico dá ardor ao arranjo de Hanilton Messias. Logo, Silvia Maria acrescenta luz a “Je N’Attendais Que Toi”.

O piano de João Carlos Assis Brasil toca “L’Éte 42”, fecha o CD e resume o espírito buscado com sucesso por Fábio Jorge: com sua bonita voz, enaltecer a música francesa, por tantas vezes incompreendida.

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles, a ópera popular de Chico Maranhão

2011-06-20T09:00:00.000-03:00

O brilho da nação maranhense

Francisco Fuzzetti de Viveiros Filho nasceu em São Luís do Maranhão. Ao completar dezoito anos, desceu para São Paulo. Cursou a Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da USP. Influenciado pelo ambiente musical da época, fez-se compositor e violonista. Àquela altura, conhecido apenas como Maranhão, tocou violão na premiada montagem de Vida e Morte Severina (1968), de João Cabral de Melo Neto, cujos versos Chico Buarque musicou.

Participou do terceiro Festival de Popular Brasileira (1967) da TV Record, onde conquistou o sexto lugar com o frevo “Gabriela”. Para avaliar o valor do feito, lembremo-nos de que nesse festival Edu Lobo e Capinan conquistaram o primeiro lugar com “Ponteio”, Gilberto Gil ficou em segundo com “Domingo no Parque", Chico Buarque, com “Roda Viva”, ficou em terceiro e Caetano Veloso (“Alegria, Alegria”) chegou em quarto.

O tempo passou e Maranhão voltou para casa. Virou Chico Maranhão e tratou de fazer valer seu amor por sua terra, nomeando-a Nação do Boi. Fez-se um estudioso cultural e aprofundou seu olhar amoroso sobre a cidade de São Luís, o que o levou a escrever o livro Urbanidade do sobrado, um estudo sobre a arquitetura dos sobrados da antiga São Luís.

Compositor instintivo, mas com rara sensibilidade, Chico Maranhão, em seu retorno, logo se dedicou a um disco de fôlego: Ópera Boi – O sonho de Catirina, uma ópera popular em um ato.

No CD (independente, com apoios diversos), Chico Maranhão disseca o espírito do bumba-meu-boi maranhense; demonstra suas variantes; espicaça suas intenções; chama atenção para a força do boi no imaginário da gente maranhense. E isso não é pouca coisa, não! Trata-se, isso sim, de uma obra de referência para os que acreditam que é através da cultura e suas manifestações populares que o Brasil assume sua verdadeira cara como nação.

Ópera Boi – O sonho de Catirina principia com um tambor de crioula. A marcação rítmica é tão forte como potente é a voz feminina que entoa versos ricos em imagens. Ao final, surgem cantos de passarinhos, em satisfeita harmonia com as cordas que remetem a um canto litúrgico. Vem um polichinelo para alegremente anunciar a chegada do circo. Os lavradores Catirina e Francisco conversam.

Cinco cantatas têm ritmo de matracas, pandeirões e chocalhos, em comunhão com cordas, violão, teclado, sopros e flauta, resultando em saborosa mescla de sons múltiplos. Ao misturar a consistência da arte popular com a fortuna da música erudita, a simplicidade musical do trabalho cativa.

E vêm surgindo em cena o amo e senhor, os Rajados, os “Tapúios” e os Cazumbás. É o povo cantando, dançando o passo e a sua dor ancestral.

Os solistas, o coro, o batuque e o cordão tornam vivo o boi. E nele, São Luís e o Maranhão se agigantam e se tornam ainda mais fortes e pertencentes àquela uma gente que os ama incondicionalmente.

Trabalho de um verdadeiro amador, a ópera popular de Chico Maranhão tem na emoção e na sinceridade a bela tônica.

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles, o CD de Carlos Navas cantando Custódio Mesquita

2011-06-13T09:00:00.001-03:00

Voz e piano homenageiam um grande compositor

Custódio Mesquita (1910-1945) bem que merecia muito mais do que as poucas, embora sinceras e amorosas, homenagens prestadas quando do seu centenário de nascimento. Entretanto, dentre elas, um disco se destacou por conter treze das mais belas músicas do grande pianista e compositor: Junte tudo que é seu... Canções de Custódio Mesquita em voz e piano (independente). Um projeto de Carlos Navas, cantor que dá sua voz às canções de Custódio Mesquita, prodigioso criador de melodias de rara delicadeza.

Nesse que é o seu nono disco, o intérprete reforça sua característica de cantar canções românticas como um visionário prestes a morrer de tanto amar, de cantar como se sua voz acalentasse os versos, embalando-os em seus braços, trazendo para junto de si a melodia e dela se vestindo a rigor.

Com um jeito malicioso de cantar, ele até tenta (em vão, diga-se) despistar o seu verdadeiro talento. Mesmo assim, por vezes, ainda podemos ser levados à falsa impressão de que sua voz é o que ela não é: ingênua. Muito embora demonstre não fazer a menor força para que tamanha inverdade salte à vista, sua voz embute o prazer do canto, insofismável maneira de comprovar que estamos, isso sim, diante de um grande intérprete.

Para dar asas à sua ideia, Carlos Navas entregou o piano aos dedos de Gustavo Sarzi. Ao piano juntou-se a voz, e juntos desaguaram em repertório exemplar: como Custódio Mesquita com Noel Rosa, “Prazer em Conhecê-lo”; com Mário Lago, “Enquanto Houver Saudade”, “Mentirosa” e “Nada Além” (esta tendo a calorosa participação de Rosa Marya Collin); com Evaldo Rui, dentre outras, “Como os Rios Que Correm Pro Mar” e “Nossa Comédia”, a qual Alzira E emprestou sua voz inusual; e Custódio com Orestes Barbosa, “Flauta, Violão e Cavaquinho”, em bela versão apenas com piano.

Ah, o piano e seu mosaico recortado, sobre ele bailam dedos travessos. Ora juntos, ora solitários, eles se movimentam em ritual pagão e se valem de feitiço próprio para expandir o diálogo entre o real e o imaginário, criando sons martelados em preto e branco.

Ah, a voz, poderoso instrumento capaz de criar momentos únicos, ela se achega, como quem não quer nada, e logo nos domina, nos levando ao êxtase, ao místico mundo das imagens. Voz e piano, dois a exaltar o incompreensível e a dar cara ao imponderável.

Profana, a voz atrai o piano, em cujo leito branco os dedos se deitam em comunhão de carnes, ossos e tendões, em intenso movimento de voluptuosa sensualidade. A voz os vê entrelaçados, superpostos, e neles despeja sua energia. E ao sentir que se afastam e respiram, para logo voltar a se roçar, pele com pele, a voz canta a eles por linhas tortas.

Ah, piano, intenso instrumento, quantos arrepios sonoros já germinaste? Ah, voz, mágico encorajamento, quanta inquietude já geraste? Ah, meu Deus, que intensa força é essa que resulta da volúpia da voz e de dez dedos deslizando sobre os dentes de marfim de um piano?

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles, o CD instrumental do Quatro a Zero

2011-06-06T09:03:00.000-03:00

Goleada instrumental

Após Choro Elétrico (2005) e Porta Aberta (2008), o Quatro a Zero lança Alegria (com apoio do ProAC, do estado de São Paulo). Integrado por Daniel Muller (piano e acordeom), Danilo Penteado (baixo elétrico e acústico), Eduardo Lobo (guitarra e violão) e Lucas Casacio (bateria), o grupo tem uma visão muito particular dos gêneros musicais tidos e havidos como sendo “de antigamente”.

Tanto nas composições quanto nos arranjos, seus instrumentos soam impregnados de uma concepção que se vale da tradição para ousar novas formas de bem interpretá-la, com riqueza harmônica, suingue e melodias contagiantes. O que resulta numa audição de raro prazer. Fato que a presença para lá de especial do bandolinista Joel Nascimento, do saxofonista Nailor Proveta e do baterista e percussionista Oscar Bolão só faz acentuar.

Na abertura, Nailor Proveta e seu saxofone soprano dão vida a “Papo de Cozinha” (Proveta). A pisada é contagiante. O acordeom dá o ar de sua graça. A bateria leva na caixa. O baixo segura as pontas. O acordeom encabeça a melodia. O sax volta e “conversa” com o acordeom e o contrabaixo. O bandolim pede vez... todos dão, claro! O sax retoma. A bateria tem alguns compassos para solar. O maxixe segue e vai ao fim.

O piano começa, a guitarra assume e conduz “De Peroba-Rosa” (Daniel Muller). O piano e o baixo chegam junto. A guitarra sola enquanto bateria e baixo apoiam. Depois da guitarra, o piano puxa. O chorinho volta firme nas cordas da guitarra. Dá para sentir o cheiro do café que acabou de ser passado e está sobre o fogão, aguardando que o papo arrefeça para ser tomado. E a guitarra e o piano trazem o papo para si – todos param para ouvi-los dizer o que sentem. Empolgados, findam o papo.

(Na verdade, o repertório é tocado como se os músicos, depois de um tempo sem se ver, estivessem em torno de um fogão a lenha, cada um com seu instrumento, loucos para prosear e mostrar um ao outro o que de melhor sabem fazer).

A caixa da bateria, agora com Oscar Bolão, começa. O piano e o baixo vão junto. O bandolim sente a pressão e se junta aos bons. Recomeça o papo. O bandolim, nas mãos de Joel Nascimento, dedilha com as cordas presas, o que aumenta o suingue e segue imprimindo brasilidade à deliciosa “Dança de Urso” (Candinho).

Em “Bacalhau ou Caipirinha?” (Eduardo Lobo), a guitarra e o piano abrem. Logo a guitarra assume a melodia. O piano contribui para a moderna sonoridade. E os dois demonstram que não há chance de algum instrumento não ser adequado à tradição musical. Ora, a guitarra está ali para dirimir qualquer dúvida que ainda possa existir. O piano e a guitarra abdicam do ritmo e proseiam, mas logo deixam que a bateria e o baixo os reconduza ao choro; aí tudo volta a balançar.

Suíte Retratos, de Radamés Gnatalli, é a comprovação da maturidade musical dos meninos do Quatro a Zero. Diante de obras definitivas, seus talentos emergem, pródigos. Ouvi-los aumenta a goleada musical. Show de bola.

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles, o CD de Alzira E

2011-05-30T09:00:00.000-03:00

Alzira E soma música à palavra

Para a compositora Alzira E (Espíndola) e para o poeta ArrudA, arte é concisão. Assim, tudo é rico quando um mais um é igual a menos de muito mais. Tudo para o menos ser demais de bom da conta. Ademais, tudo é um pouco que torna a canção mais intensa. Impossível haver jeito melhor; improvável mais musicalidade que diga tanto com o menos escolhido por eles para tudo o mais retratar.
Canto que se mistura à palavra. Voz que declama o verso. Poesia que encanta e clama. Dois seres dispostos a ser um só. Cantoria num límpido alvor de manhã espreguiçadeira; olhar de seca-pimenteira, que reduz a sombra da ingazeira à de mera touceira.
Por atuais, adaptei os parágrafos acima, escritos quando tratei do sétimo álbum de Alzira E, gravado em parceria com poeta ArrudA – com o qual criou um belíssimo trabalho –, para iniciar meu comentário de Pedindo a Palavra (independente), seu novo CD.
      Nele a parceria está de volta. Com apenas uma das dez faixas feita com a participação de Jerry Espíndola, todas as outras têm a assinatura dos dois. E juntos criaram um repertório no qual dizem, desdizem e redizem novos conceitos. E seduzem. Tudo o que deles vem vale pelo breve instante em que se revela o tanto da profundidade das sílabas e o tantão do resplendor dos acordes. Montões de música vinda da capacidade de surpreender que sempre teve Alzira, e também ArrudA. Música posta de presente à mesa do ouvinte. Bom proveito.
      Com produção de Du Moreira, a formação instrumental do novo disco é minimalista: além do baixo, dos teclados, das programações e da guitarra de Du (guitarra que em duas faixas esteve a cargo de Luiz Waack), apenas uma bateria, na qual se revezam Curumim, Kuki Stolarski e Marcelo Effori, e os vocais de Iara Rennó e Luz Marina. Tudo para que restasse intato o sumo da música de Alzira e ArrudA. E bota sumo nisso.
      As melodias de Alzira são criadas de modo já adaptado à sua extensão vocal. Assim, cada nota parece ter nascido pronta para a garganta da intérprete, que sabe da importância da palavra somada à nota musical. Feito grande atriz que canta, o texto brota em Alzira já adquirindo contornos de pura mágica. E é aí, então, mais uma vez, que surgem os versos de intensa contemporaneidade escritos por ArrudA.
      Isso tudo que você me diz/ Sem dizer nada/ É o ponto cego dessa cicatriz/ Costura frágil/ Caminhada/ Isso tudo que você me diz/ Sem dizer nada/ É o silêncio que dói na raiz/ É o silêncio pedindo a palavra. Estes versos, da música que dá título ao CD, nasceram como se fossem gêmeos univitelinos da melodia. Eles são a palavra do poeta traduzindo a expectativa de que a densidade pode ser também lírica, moderna.
Pedindo a Palavra é tudo música, é tudo poesia feita de luz e de sombra; tudo nascido em dias de sol e noites de lua, de verão ou de inverno; vidas carregadas de infinitas sutilezas; tudo aceso; tudo nu, sem vestes nem panos quentes nem leves que interfiram e acobertem o essencial.

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles, o CD instrumental do Quinteto Vento em Madeira

2011-05-23T09:00:00.002-03:00

E o vento soou na madeira

A cena da música instrumental brasileira está ainda mais rica com o lançamento do CD Vento em Madeira (Maritaca Discos). Para gravá-lo, Teco Cardoso (sax e flautas) e Léa Freire (flautas) partiram de um trabalho dela, Cartas Brasileiras (2007), produzido por ele. O álbum, um profundo panorama da música instrumental feita em São Paulo nos últimos tempos, contou com mais de sessenta músicos.

E Léa e Teco se defrontaram, então, com o primeiro desafio: montar um quinteto que teria como meta reproduzir a sonoridade obtida por aqueles 60 músicos do disco anterior – um trabalho libertário e, ao mesmo tempo, rigoroso. Instigados pela real dificuldade da realização do objetivo, em meio a dúvidas, mas estimulados por elas, nasceu o Quinteto Vento em Madeira, integrado por Léa e Teco, mais o baterista Edu Ribeiro, o pianista Tiago Costa e o contrabaixista Fernando Denarco. E como se não bastasse, há um sexto “instrumento”, convidado muito especial em quatro das nove faixas, a voz de Monica Salmaso.

Músicos de altíssimo gabarito, dispostos a recriar um amplo retrospecto da música instrumental contemporânea, os cinco se debruçaram sobre o repertório: oito temas de autoria de Léa, Teco, Edu e Tiago, e “Luz Negra”, uma das mais magistrais de Nelson Cavaquinho, parceria com Amâncio Cardoso.

Os temas instrumentais, nos quais prevalece um amplo espectro de ritmos, foram orquestrados de modo a fazer deles uma mostra do que a versatilidade e a competência dos músicos podem realizar.

Segundo desafio: um ano de ensaios. Tempo para que arranjos e composições fossem burilados, até que estivessem prontos para serem tocados sem o auxílio de partituras. A interpretação, assim, deu-se de maneira solta, contundente. “Copenhague” exemplifica o quanto isso é verdade: um tema lento, com momentos de dissonâncias, começa com as flautas baixo e sol dando o toque de taciturnidade pedido pela linda melodia. Logo elas dão vez ao piano. O baixo e a bateria tocam delicados. Flautas e piano acentuam a tristeza, levando-a a um ponto de raro esplendor.

Cantada por Monica Salmaso, “Luz Negra” é o encanto em versos. A harmonia deixa de lado a original, buscando um jeito novo de entender o gênio de Nelson Cavaquinho, e o início do arranjo é dedicado a improvisos – em que o sax brilha. Para dar início ao canto, o piano sola e logo o sax vem tocar a melodia, já agora com o apoio do baixo e da bateria. A flauta baixo soa lindamente. E surge Monica Salmaso... Deus do céu! Nelson aplaudiria.

O resultado é um trabalho da mais alta categoria musical. As performances são uma mostra do quanto valeram as dezenas de ensaios – cada instrumentista tirou o melhor de seu instrumento. Mesmo quando a composição era de difícil execução, tal intimidade permitia que ela soasse de maneira simples. Ainda que a sofisticação harmônica pudesse levar a crer em algum grau de dificuldade de compreensão, o jeito como o quinteto toca a torna acessível.

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles, o CD do violonista Daniel Murray

2011-05-16T09:32:00.000-03:00

Um virtuoso tocando Tom Jobim

Qual instrumentista é mais virtuoso? É o que tira sons limpos, com os dedos revelando-se ágeis e precisos? O que tem mais pegada, fazendo-nos mal respirar, tamanha a excitação provocada por sua apaixonada interpretação? Seria mais virtuoso o que se dedica a criar delicadas belezas a partir de uma leitura especial da obra com a qual se propôs a nos tocar o coração? Ou seria mais talentoso o músico que homenageia os autores, respeitando suas concepções originais?

Se o talento andar de mãos dadas com a sensibilidade, se o instrumento revelar sonoridade e limpeza e o instrumentista possuir boa técnica, se nos emocionar tanto quando sua pegada é suave quando ela é vigorosa, se sua alma musical nos surpreender, dando seu melhor à harmonia e à interpretação, nos fazendo crer que o que toca é algo mais próximo da plenitude, mas sem excessos banais... São todos igualmente virtuosos. Mas há que perceber e valorizar cada uma dessas qualidades, pois uma não desmerece a outra.

Vamos ao CD Tom Jobim para violão – Daniel Murray (Delira Música). Produzido por Paulo Bellinati, é o segundo álbum do violonista e arranjador que agora mergulha no complexo, profundo e instigante oceano musical tomjobiniano.

Parte de uma seleção impecável de catorze temas, nos quais Tom dividiu a criação com diversos parceiros. Bem... Aqui há o senão do trabalho: em nenhum lugar, nem na capa, nem na contracapa, muito menos no release, estão nomeados os que dividiram com Tom Jobim a responsabilidade de criar as canções que desde sempre fazem a música brasileira ser ainda mais rica e diversificada. Voltando... Na seleção musical se destacam algumas das mais belas parcerias do maestro soberano com Vinícius de Moraes: “Por Toda Minha Vida”, Chora Coração”, “Estrada Branca”, “A Felicidade” e “Luiza”.

Há também músicas feitas com Chico Buarque: “Imagina” e “Eu Te Amo”. E seis temas apenas de Tom Jobim: “Antigua”, “Tema para Ana”, “Chanson Pour Michelle”, “Garoto”, “Gabriela” e “Bate-Boca” (choro cujo título foi sugerido por Chico Buarque), bem como uma com Aloysio de Oliveira, “Eu Preciso de Você”.

Para tocá-las, Daniel buscou a concisão e a delicadeza. Suas interpretações abrangem a totalidade das intenções primeiras do autor. Assim, Tom está presente, vivo e desnudado apenas por um violão soberbamente tocado.

Os arranjos expressam todas as ideias instrumentais concebidas pelo talento tomjobiniano. O violão não compete com o conteúdo que expressa; vale-se dele para, pleno de criatividade, ser ainda mais instigante. O ambiente sonoro é de extrema paz. Cada faixa escutada agrega um prazer maior ao ato de se deixar levar por algo tão vibrante e terno.

Antonio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim e Daniel Murray se somam para multiplicar por dois o que parecia incomensurável. Ao dividirem seus talentos, autor e intérprete se acrescentam e agregam fortuna ao que parecia nem precisar de tanto mais para ser ainda muito melhor.

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles MPB4 - Minha filha

2011-05-02T09:00:00.000-03:00

Minha filha,

            Seu avô, meu pai, foi perseguido pelos militares que tomaram o poder em 31 de março de 1964. Ele era um homem inteligente, honesto e trabalhador. Foi preso, perseguido e logo ficou muito doente. Deixou-nos deixou cedo demais. Mas veja como são as coisas: hoje ele é nome de colégio, CIEP Prof. Geraldo Reis, em Niterói, no Rio de Janeiro.
            Fui para São Paulo em 1965. Com 17 anos, era a primeira vez que eu saía de Niterói sem meus pais. Eu e meus três companheiros fomos tentar o sonho de cantar no Fino da Bossa, programa de Elis Regina na TV Record. Dias depois de nossa chegada, conhecemos um principiante: Chico Buarque. Conhecemos também as meninas do Quarteto em Cy e com elas ensaiamos um pot-pourri de sambas antigos e, na primeira tentativa de aparecer no Fino da Bossa, o apresentamos a um dos diretores do programa, Manoel Carlos, hoje autor de novelas para a Globo. Conseguimos... Nossas férias estavam só começando.
           As férias chegaram ao fim, tínhamos que voltar para casa. Mas o empresário (sim, já havia um cuidando da nossa “agenda”) disse que tínhamos que decidir se queríamos ser profissionais de verdade ou se voltaríamos para Niterói. Foi difícil a decisão, filha... Ficamos um ano em São Paulo.
           Em 1966, tivemos o nosso “batismo” num festival da TV Record. Cantamos “Canção de Não Cantar”, de Sérgio Bittencourt (filho do grande Jacó do Bandolim). Ficamos em quarto lugar e fomos contratados pela Record. Um ano depois defendemos “Gabriela”, frevo de Chico Maranhão, um jovem estudante da Universidade de São Paulo (USP), que ficou em sexto lugar, e “Roda Viva”, que cantamos junto com Chico Buarque e ficou em quarto. “Roda Viva”, inclusive, é hoje o tema principal da nova novela de Thiago Santiago no SBT, Amor e Revolução.
           Aos festivais da Record somaram-se o Festival Internacional da Canção, da Globo, e o Festival Universitário da Canção (foi neste, em 1970, que cantamos “Amigo É Pra Essas Coisas”, de Sílvio Silva Junior e Aldir Blanc, que ficou em segundo lugar).
           Olha, filha, apesar da ditadura militar (víamos amigos desaparecerem e nunca mais voltarem, outros desapareciam e voltavam marcados pela violência brutal da tortura), apenas por medo ou descuido fingíamos não ser felizes.
           Àquela época a censura atingia indiscriminadamente autores e público, já que só se via, ouvia e lia o que os donos do poder julgavam aceitáveis. Mesmo sob o jugo dela, que mutilava a criação, vivemos no limite do desafio de enfrentá-la. O MPB4, seu avô e tantos outros melhores do que nós éramos considerados “subversivos”. Isso, antes de nos ameaçar, honrava-nos.
           Filha, nunca desista de tentar modificar o que lhe parecer errado. Junte-se a outros e seja forte. Deixe que as ideias briguem, nunca as pessoas. Não se acanhe de chorar. Use a palavra. Busque o novo sem temer o velho. Repudie a arrogância e o preconceito. Não contenha uma exclamação de felicidade ante o belo. Seja feliz, Leticia!
           Um beijo carinhoso.
Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles, homenagem aos oitenta anos de Cauby Peixoto

2011-04-18T09:00:00.000-03:00

Eu o saúdo, Cauby Peixoto!

Filho de um violonista, Elisário Peixoto, e de uma bandolinista, Alice Carvalho; irmão das cantoras Andiara e Iracema, de Araquém, o pistonista, e de Moacir, o pianista; primo do cantor Ciro Monteiro; sobrinho de Nonô, o pianista; tio de Dalmo Medeiros (um filho de Iracema), vocalista do MPB4, e da cantora Adriana Peixoto, Cauby Peixoto veio ao mundo para brilhar. E de tantos brilhos se vestiu que o mundo logo passou a ser seu enorme e reverente camarim.

Quando ele nasceu, Niterói o recebeu disposto a tê-lo como um filho que vai à vida, mas ao seu berço sempre volta. Dizem (não sei bem ao certo, porque não vi) que Cauby quando veio à luz não chorou, chegou iluminado por purpurinas, vestido com cetins e cantando “Conceição, eu me lembro muito bem”.

Pois foi num fevereiro, mês que é sinônimo de Carnaval, foi num remoto fevereiro de um ano que não se mede em luas, mas em acordes, que Cauby Peixoto Barros veio a nós para nos contagiar com sua voz.

Quando ele cresceu, o Brasil, a quem Niterói o concedeu, fez dele seu ídolo inconteste. Espelhos espalhados pelos quatro cantos revelavam o rosto de quem cantava para que todos nele se escutassem e se revelassem. E o rádio levava sua voz a quem quisesse ouvir, as revistas levavam sua imagem hollywoodiana a quem quisesse ver. E não houve quem não visse ou ouvisse aquele que trouxe consigo o dom de fulgurar.

Fulgurantes todos nós que ouvimos hoje aquele mesmo Cauby que desde sempre nos acostumamos a ouvir. Reverente ao seu talento, somo meu desejo ao de tantos outros: que sua voz não nos falte, você acalenta a nossa alma a cada dia.

Reflexos que somos de você que nos representa com seu dom, nós lhes damos hoje algo que não são meros escambo ou presente, mas uma retribuição por tudo o que de sua voz usufruímos (sem que você sequer suspeite, pois de nós nunca soube o rosto nem de nossas almas a aflição).

Que seu camarim, Cauby, esteja sempre iluminado pelas estrelas das noites cantadas em prosa e verso, e pelo sol de cada dia que nos ilumina. Que dos seus espelhos se reflitam imagens de uma glória eterna, já que você está no interior da alma de cada brasileiro que pôde conhecê-lo.

Inicialmente personificado nas ondas do rádio, Cauby Peixoto, que continua presente, ainda hoje, em CDs, DVDs e livros, ao comemorar seus oitenta anos de vida, está em meio a uma temporada de enorme sucesso no Bar Brahma, no centro da capital paulista. Coisa nossa é este grande intérprete que canta melhor a cada noite.

Todos nós daríamos agora mesmo mais de um milhão para termos sua eterna “Conceição” (o extraordinário sucesso de Jair Amorim e Dunga) para sempre viva em nossos ouvidos e mentes.

Saiba, Cauby, que os ídolos não podem fechar o camarim onde se vestem e se transmudam naquele que nos permite crer que uma das saídas para nossos males é fazer com que o belo pareça ser coisa nossa (como se fôssemos todos capazes de fazer igual). Viva para sempre, Cauby Peixoto!

Aquiles Rique Reis, músico e integrante do MPB4

Coluna do Aquiles, o CD de Carlos Careqa

2011-04-11T09:00:00.001-03:00

O cantar profano de Carlos Careqa

Carlos Careqa lançou Alma boa de lugar nenhum (independente), álbum que confirma que não se deve enquadrá-lo em nenhum gênero musical reducionista: será que ele é um compositor da chamada “MPB”? Pode-se chamá-lo de vanguardista? De “maldito”? Experimentalista? Seria um erudito...? Ora, Careqa é bem mais que tudo isso: ele busca.

São dele dez das doze faixas inéditas do disco. Destas, seis são só suas e duas são de Bertold Brecht, em parcerias com Kurt Weill e Hanns Eisler (esta com versão do próprio CC, ele que aprendeu alemão por causa de Brecht).

Carlos Careqa encontrou na sonoridade do piano a marca para o repertório do disco. Para tanto, levou para o estúdio grandes pianistas: Thiago Costa, Ana Fridmann, André Mehmari, Chico Mello, Paulo Braga, Gabriel Levy, Karin Fernandes e Arrigo Barnabé. Coube a eles escrever os arranjos das músicas que foram interpretadas por Careqa, sendo que uma é cantada com Chico Buarque e outra com Arrigo. Cada arranjo é uma criação ousada que se soma a interpretações que dela se vale para ouriçar os pelos de quem está por perto.

Destaque para Chico cantando “Minha Música” (Carlos Careqa), quando sua voz canta à realidade e o sampler de piano de Renato Alscher e o piano de Paulo Braga tocam à fantasia. Destaque também para a delicadeza de “Todo Cuidado É Pouco” (Itamar Assumpção e Careqa), demonstrando ser musicalmente falso o dilema que vê como incompatível a sutileza de um piano, tocado quase que eruditamente, com a crueza de versos duros e ditos por um cantor afável, logo substituído por um cantar que raspa a garganta do intérprete.

Ótimo cantor, Careqa tem voz afinada, bela quando a usa de forma melodiosa, desde que assim peça sua composição. Rascante quando sente necessidade de dar dramaticidade teatral à canção e sua voz soa quase que agressiva. Brejeira quando o humor diz presente e o cantar vem maneiro.

Ainda que seus versos sejam sempre poeticamente densos, intensos; ainda que cada pianista convidado tenha se transformado em tradutor do som que foi criado originalmente pelo violão de Carlos Careqa; ainda que o estranhamento pontue as sílabas; ainda que cada acorde, cada harmonia, cada divisão rítmica sejam irreverentemente tocadas para chacoalhar as certezas do ouvinte... Ainda assim ele soa pungente. Ainda assim ele centraliza na poesia e na música o poder de cativar para sensibilizar.

A poesia de Careqa é profana. Sua música tem a força de contrastes inusitados. Cristã e ateia, sua voz tange o inconsciente e reflete no estômago de quem a sente. Por mais que, ao ouvi-lo, sejamos impelidos a sentirmo-nos num pequeno palco, ambiente enfumaçado, luzes opacas, cheiro de bebida impregnando o ar, sala quase vazia, copo de absinto sobre o piano encardido, figuras decadentes e delirantes desfilando suas amarguras, o frescor da música de Carlos Careqa a tudo corrompe com o tanto que seu sangue é novo. E a tudo contagia. E a todos extasia.

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles, a caixa com três CDs de Johnny Alf

2011-04-04T09:00:00.001-03:00

Johnny Alf para presente

Johnny Alf – Entre amigos (Lua Music) é um presente para os que tiveram o privilégio de ouvi-lo. Uma caixa com três discos com o mesmo objetivo, cada um à sua maneira: homenagear o grande compositor, instrumentista e cantor.

Com concepção e seleção de repertório de Thiago Marques Luiz e Nelson Valencia, o primeiro álbum, Johnny Alf ao vivo e à vontade com seus amigos, contém gravações ao vivo de Alf com alguns convidados ilustres. Com Cida Moreira, os dois ao piano, Johnny Alf canta “A Noite do Meu Bem”. Com sua voz poderosa, Cida contrasta com a delicadeza vocal de Alf. Tudo a ver. Emocionados, renovam a emoção presente na obra-prima de Dolores Duran. Na pouca conhecida, mas bela, “Nós” (Johnny Alf), Leny Andrade amplia sua bossa com ótimas divisões e afinação impecável. Guitarra, bateria e baixo a acompanham com simplicidade, que é o que pede a modernidade harmônica de Alf.

No segundo disco, Em Tom de Canção (título de uma canção de Alf), Alaíde Costa se responsabilizou por escolher o repertório e interpretá-lo do jeito que só ela é capaz de fazer. Seus agudos seguem firmes. Sua respiração dá aos versos e às notas a precisão com as quais foram concebidas pela genialidade do homenageado. Assim, em dez faixas produzidas por Thiago Marques Luiz, ela se desdobra e passeia através do que marcou a fantástica trajetória musical de Johnny Alf. Sensibilidade.

Johnny Alf por seus amigos é o terceiro CD. Produzido por Thiago Marques Luiz, dezesseis intérpretes capricham em homenagens a Johnny Alf. Acompanhada por piano, baixo, bateria e guitarra, com arranjo de Giba Estebez, Wanderléa faz reverente versão para o clássico “Ilusão à Toa” (Johnny Alf). Sua voz contida vai aos versos com elegante veemência. A levada bossa nova se ampara na pegada sutil dos instrumentos. Gostoso de ouvir. E Zé Renato dá sua voz afinada a “Céu e Mar” (Johnny Alf). O samba suinga. O piano pontua. A bateria é fina. O baixo marca. Apenas tudo isso.

Johnny Alf, carioca de Vila Isabel, veio ao mundo Alfredo José da Silva. De família humilde, tinha tudo para repetir a trajetória da criança pobre, órfão de pai, de um subúrbio qualquer. Não repetiu.

A música clássica disputava a preferência do menino com os grandes compositores americanos, principalmente os que compunham para cinema: George Gershwin e Cole Porter.

As músicas norte-americanas e brasileiras, tão diversificadas e ricas, foram fontes onde Alf bebeu da água cristalina que desce do morro em gingas sutis e se encontra com o improviso libertário do jazz. A sutileza e a liberdade entraram em suas veias.

Johnny Alf esteve sempre vários acordes à frente de seu tempo. Suas composições, seu piano, suas melodias e frases musicais são socos no estômago de quem duvidava de que pudesse ser genial o brasileiro que, desafiando preconceitos artísticos e musicais, criaria raras e infindas belezas. Gotas d’água num mar de notas de um teclado tão limpo e preciso quanto genial.

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles, o CD do quinteto instrumental Bamboo

2011-03-28T09:00:00.001-03:00

Viva a música instrumental!

Integrado por Alex Buck (bateria), Bernardo Ramos (guitarra e violão), Bruno Aguiar (baixo acústico), Josué Lopez (sax tenor) e Vitor Gonçalves (piano e acordeom), o Bamboo lançou seu primeiro disco (Brasilianos), que tem como título o nome do grupo.

Você aí, que está lendo este texto, eu sugiro que busque ouvi-los. Ótimos músicos; bons temas compostos por eles; arranjos inspirados; solos, duos e improvisos plenos de criatividade. Intensos, mas irreverentes, experimentados, tão virtuosos quanto eficientes, eles se juntaram para iniciar um ótimo trabalho instrumental.

“Maracatu no Bambu” (composição e arranjo de Bernardo Ramos) se inicia com o belo sopro do sax. O piano apoia e o maracatu soa esperto, em levada estilizada. O baixo, a bateria e o piano antecedem o improviso do sax. Logo a bateria, precisa, trisca nos pratos. O piano muda a concepção inicial e toca o tema de forma menos formal, mais desprendido da harmonia. Um rufo da bateria leva ao final.

“Sem Início, Sem Fim” (composição e arranjo de Bernardo Ramos) vem com a arguta sonoridade da guitarra. O poderoso baixo acústico se junta ao piano e à bateria. O intermezzo fica a cargo do piano e do baixo. A guitarra assume o improviso, amparada por piano e bateria. O sax volta a solar, também escudado por bateria e piano, este que passa a improvisar. A bateria dá início a um quase solo, posto que a mixagem a coloca no mesmo plano do baixo. E o sax volta, e a guitarra sola... Meu Deus!

“Márcio Bahia” (composição e arranjo de Alex Buck) conta com participação do bandolim de Hamilton de Holanda, que, junto com o sax, começa. Em poucos compassos, o baixo improvisa (!) sobre toques da bateria. Em ritmo alucinado, o acordeom brilha. O bandolim inicia um solo contido, mas logo se solta e arrasa. O acordeom e o sax tocam em duo. Acompanhada de bandolim, acordeom e sax, a bateria sola... Que baita improviso, Deus do céu! Em revezamento, todos tocam para encerrar.

“Gratidão” (composição e arranjo de Bernardo Ramos) é um tema extremamente doce. O violão dá o clima. Cuidadosamente, junto com o baixo, a bateria risca os pratos. O piano improvisa. Baixo e bateria pegam leve. Como se chorasse, o sax sola. A bateria cadencia e logo assume o ritmo de fato. O sax continua. O piano se une ao baixo e à bateria que toca nos pratos. Voltam sax e piano, e logo todos estão juntos novamente. Show!

“Nova Bossa” (composição de Josué Lopez e arranjo de Josué Lopez e Bernardo Ramos) começa com piano, guitarra e bateria. Ao sax cabe o tema. A bossa nova assume sua cara. Para improvisar, a guitarra dispensa o ritmo. Piano e sax desenham. A guitarra volta à bossa nova. O duo agora é de guitarra com o sax, até que este se solta para improvisar. A bateria se agita e reúne todos para o final...

Você pensa que acabou? Não, ainda há muitas mais. O que acabou foi o espaço para continuar a enaltecer um disco que engrandece ainda mais a música instrumental brasileira.

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles, o CD Áurea Martins

2011-03-21T09:00:00.001-03:00

A áurica voz de Áurea Martins

Depontacabeça (Biscoito Fino) é o novo disco da dama dos dissabores. Que, com bons arranjos do violonista Lucas Porto, tem no repertório músicas de diversos autores em parceria com Hermínio Bello de Carvalho.

Abrindo, Áurea canta “Me Diz, ó Deus”, uma das quatro parcerias de Hermínio com Moacyr Luz presentes no CD. O violão e a flauta são acompanhados por leve toque do tamborim. A potente voz de Áurea avisa: a emoção começou. O cavaquinho desponta. Entendendo o chamado, flautas e clarinete se juntam à bateria e o ótimo samba ganha peso.

“Isso é Que É Viver” (Pixinguinha e HBC): o surdo marca, o violão de sete cordas ponteia com as baixarias que dão cara ao samba. O sax sola o intermezzo. Áurea canta e demonstra que poucas intérpretes têm tanta sensibilidade para dividir frases musicais. E seus graves? E seus agudos? Raros!

Mais duas músicas de Moacyr Luz: “Quando o Amor Acaba” e “Só o Amor Constrói”. A primeira é emocionante. Suave, a introdução entrega à cantora numa bandeja de prata a possibilidade de ser ainda mais pungente. Acompanhada apenas por cello e violão, Áurea se desvela ao cantá-la. Para tocar a segunda, o violão muda a levada, mais balançada. O sete cordas e o bandolim se esbaldam no samba.

“Cobras e Lagartos” é grande parceria de HBC com Sueli Costa. O piano dá o clima de casa noturna. Apesar de se valer dos pratos, a bateria toca suave, como que para não atrapalhar os casais que bebem e se beijam. O bandolim sola bonito. Áurea volta e o bandolim continua com ela. Findo o canto, o bandolim segue. Belíssimo momento de depontacabeça.

Para encerrar, “Pressentimento”, obra-prima de Elton Medeiros e HBC, revela uma Áurea Martins com pleno domínio da voz e das emoções. Em clima de gafieira, com direito a naipe de trombone, sax, trompete, coro e tudo o mais, o clássico se junta a “Quem Disse Que Eu Mereço” (Dona Ivone Lara), que traz o poeta Hermínio cantando. Um final de fazer sangrar corações.

Como a samambaia chorona que se debruça sobre o xaxim e cai até quase beijar o chão, Áurea derrama seu dilacerado canto na terra que se abre em imenso poço, onde o sofrimento adquire o ar da música que o redimirá. Como um paiol de pólvora prestes a pipocar, ela se põe de cabeça para baixo e explode em mil cacos musicais.

Poeta sem certezas absolutas, aberto à dúvida e ao pé atrás, disposto que é a criar belezas inusuais, os versos de Hermínio capturam o simples, tornando-o ainda mais popular, e podem ser tão lancinantes quanto a voz negra de Áurea. Poeta que procura sons que lhes são bússola a apontar nortes e buscar caminhos sempre à frente, de tão musicais suas frases parecem ser escritas diretamente no pentagrama. Depois de ser cantado por grandes damas da música, ele tem a ventura de cair nos braços daquela que se revela uma de suas maiores intérpretes: Áurea Martins, a que consegue dar ao poeta a picardia definitiva e ser a parceira vocal que todo compositor merece e carece ter.

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles: Protestar é preciso

2011-02-28T09:00:00.001-03:00

Protestar é preciso

Quando é que o compositor decide fazer uma canção de protesto? Quando é que o poeta resolve se insurgir contra a injustiça, a esta dirigindo seus versos e não à sua amada? É no tempo de uma ditadura militar? É sob o jugo da repressão feroz que tortura e mata? É quando vê calarem sua voz pela força da censura? Claro que sim! Não necessariamente.

Faço parte de uma geração de protesto. Criamos uma estética de contestação, por intermédio da qual nos rebelávamos contra a ditadura e a repressão da censura. Naquele momento (pós-1964, pós-1968), era a maneira que tínhamos de exercer nossa cidadania.

À época, muitas vezes, elegemos algumas canções – que não protestavam contra a ditadura –, como símbolos da luta de resistência. João do Vale e seu “Carcará” são um bom exemplo, ele que não era o que se poderia chamar de um autor de protesto. Engajado? Talvez. Menos por isso e mais por nossa necessidade de vermos “revolucionários saídos do povo”, “Carcará” era um dos nossos hinos.

Num momento em que o confronto com a censura era inevitável, todos temos histórias das quais saímos pouquíssimas vezes vencedores e, de outras tantas, remoendo uma raiva impotente pela derrota.

Em 1971, o saudoso Maurício Tapajós mostrou para o MPB4 uma canção que acabara de criar com Paulo César Pinheiro: “Pesadelo”. “(...) Você corta um verso eu escrevo outro (...)”. “Isto não passa na censura, Maurício!”, dissemos. “Se eu conseguir liberar vocês gravam?”, desafiou ele. “Claro!”, respondemos, incrédulos.

Maurício e Paulinho levaram à censura várias letras de ingênuas marchinhas de carnaval e, no meio do bolo, “Pesadelo”. O carimbo “liberado” foi batido burocraticamente em todas aquelas músicas para a festa, inclusive “Pesadelo”, que não tocou no Carnaval... Gravamos a música em 1972. Comemoramos e rimos como se a batalha houvesse sido ganha.

Em 1973, junto com Chico Buarque e Gilberto Gil, participávamos da Phono 73, cantando “Cálice”, dos dois, inédita à época. Na cabine de som do Anhembi, em São Paulo, um batalhão de censores acompanhava ostensivamente a “inocente” mostra de música.

Cantados os primeiros versos, os microfones “misteriosamente” emudeceram. Percebendo a manobra, nós mesmos, no palco, diante da plateia atônita, começamos a substituir por outros os microfones emudecidos pelos agentes federais. Foi uma sequência angustiante de “emudecimentos”. Ao final da batalha, um mar de microfones, mudos como os cantores, os compositores e o público. Essa nós perdemos e choramos de raiva.

Sempre haverá música de protesto. Haverá época em que canções serão criadas para protestar contra aquelas outras que já protestavam e cujas letras reclamavam contra injustiças e arbítrios. Dom e Ravel cantam “Eu Te Amo, Meu Brasil”; os Paralamas do Sucesso, “Trezentos picaretas com anel de doutor”. O Planet Hemp, a maconha... Tem lugar para todos.

Enquanto houver um poeta olhando a lua e um déspota no poder, haverá música de protesto.

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Coluna do Aquiles, o CD da banda Caixa Preta

2011-02-21T09:00:00.002-03:00

Jongo no liquidificador

Em atividade há 12 anos, a banda vocal e instrumental Caixa Preta nasceu sob inspiração do jongo de mestre Darcy, um preservador do elemento da ancestralidade: os tambores do jongo, conhecido como a dança das almas.

Foi a partir dessa fonte encantada, no morro da Serrinha, que fica entre os subúrbios cariocas de Madureira e Vaz Lobo, que os meninos da Caixa se deixaram impregnar pelo amor ao batuque. Desde então, cuidaram de amalgamar ao jongo diversas manifestações musicais que a ele conferissem modernidade. Começava a germinar ali Jongo Contemporâneo (independente), o segundo CD do grupo, cujo som reflete, a um só tempo, tradição e modernidade.

A salada de frutas que compõe o repertório do álbum nasceu, basicamente, da concepção musical de Augusto Bapt, vocalista e autor das 11 faixas do disco – sendo quatro em parceria com Rodrigo Braga e uma com Seu Jorge e Gabriel Moura.

Além do já citado Bapt, são mais quatro os integrantes que fazem o jongo contemporâneo da Caixa Preta: Kátia “Preta” Nascimento (trombone), Marcos Feijão (bateria e percussão), Robertinho de Paula (guitarra, violão de sete cordas e viola caipira) e Joe Lima (baixo e cavaquinho). Todos atentos à memória e à revitalização da cultura musical brasileira.

Em “Cidadão Comum”, um rap marcado pelo baixo e pela percussão, a levada do jongo se mistura com a do samba e a do funk, resultando no suingue contagiante de um reggae. A célula rítmica, somada ao naipe de metais, se encarrega de materializar as síncopes e de dar a elas o ar sadio do presente.

“Baile Funk no Terreiro” começa num maculelê (ou seria um funk?), que logo desdobra em samba. Não demora e o jongo chega arrepiando. E o som da Caixa Preta assume sua vocação maior: valer-se desse ritmo para criar uma miscelânea sonora de alta voltagem instrumental, dançante, vibrante.

As congas iniciam “Onde Você Pensa Que Vai”. A guitarra marca presença. Os metais soam grave. O jongo está ali, vivo em estado primitivo, mas, ainda assim, contemporâneo.

“Santa Ferveção” tem letra que denuncia: Santa ferveção/Da favela à beira- mar/A lei da pólvora está/Atirando flechas de contradição. Para cantá-la e tocá-la, a Caixa não economiza em dramaticidade. Nem na força da pegada pop.

“Fogueira do Brasil” é samba que remete a um tempo em que protestar era preciso. O canto soa rascante – assim pede a letra. Os metais e os atabaques se espalham. A seguir, “Mangue de Sepetiba” tem baixo e o naipe de metais em ebulição. A bateria e a percussão brilham.

E então o mangue dos subúrbios cariocas se une ao mangue do Capibaribe recifense. A música os faz gêmeos. E Chico Science e Augusto Bapt se tornam uma só voz. É a tradição das músicas carioca e pernambucana servindo ao mesmo propósito: atualizar-se para melhor cantar sua gente.

Assim como a música pernambucana deve a Chico Science e Nação Zumbi a sua revigorização, o jongo deve a mestre Darcy e à banda Caixa Preta a sua contemporaneidade.

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Túlio Borges, um talento (Coluna do Aquiles)

2011-02-14T09:00:00.001-02:00

Lá vem vindo o menestrel dos desatinos. Vem montado em seu cavalo baio. Magia perambulando infinitos, sobrevoando tempos, pressentindo vidas. Lá vem o poeta avoando, cavalgando um sonho avoengo. Carrega nas mãos o cálice da amarga verdade. Voeja buscando semear boas ideias em terras sãs.

Ao vê-lo, uma mulher pergunta: “O que pretendes, senhor das noites?” “Deixo que a brisa toque”, ele responde. A mulher prossegue: “O que buscas, senhor dos dias?” “O sino em mim no tempo”, entoa o cantador. Um jovem se intromete: “Ora, mulher, deixe que o homem siga. Não vês que ele é doido?” “Doido só podes ser tu, meu jovem, que não vê arder no cantador a labareda do futuro e do passado”, retruca a mulher.

Interrompendo o seu passar, o menestrel murmura alegorias... A mulher vira-se para melhor ouvi-lo e vê que quem acabou de lhe dirigir a palavra é agora um vulto que vai distante, em meio a denso feixe de estrelas. Ela acena, numa entristecida despedida. (O moço de há muito tomou outro rumo.) O silêncio se fez mais dolorido do que a solidão. Voltando-se para a mulher, o menestrel lança sua chama derradeira: “O vento sabe quando é tempo, e quando é silêncio entendo”.

A mulher e o moço são, claro, mera ficção. Mas os versos que compõem a fala do menestrel/cantador (“Deixo que a brisa toque/ O sino em mim no tempo/ O vento sabe quando é tempo/ E quando é silêncio entendo”) são da música “Eu Venho Vagando no Ar” (Túlio Borges), que dá título ao primeiro CD deste cantor, poeta e compositor.

Borges fecha o CD com ela, cantando acompanhado apenas do violão de Rafael dos Anjos e do pífano de Davi Abreu. Rafael dedilha a introdução e segue junto com o pífano de Davi, prenunciando a profundidade do que cantará a voz aguda, firme e afinada de Túlio.

Para abrir o disco, ele adaptou alguns “pontos” de domínio público que sempre ouviu D. Inácia (que o criou e trabalha com sua família há mais de 35 anos) cantar. Ela sola os versos que encerram a faixa. A percussão de Amoy Ribas realça a pueril candura de cada ponto, todos cantados doce e amorosamente por Túlio.

Em “Toca Aí” (Túlio Borges), o violão de Rafael dos Anjos é tocado de forma a deixar a letra fluir: “Toca aí uma canção pra eu cansar de ouvir/ Uma canção pra eu pensar em mim/ Pra eu calar e tentar me ouvir/ Vou fechar os olhos/ Se eu chorar, continua/ Há muito choro em mim/ Por mil razões que eu sei/ E mais dez mil que herdei”. Modestamente, eu respondo a cada um dos versos: “Ela está aí, cantador, nós a ouviremos até nos encantar. Nós nos calaremos, poeta, e o ouviremos enquanto o refletimos em nós. Acompanharemos seu choro e seguiremos, pois ele e mil porquês habitam também em nós.”

Construtor de melodias inesperadas, criador de poesia calorosa, a música de Túlio Borges tudo harmoniza em suave cumplicidade, com cuidadosa feitura. Seu CD independente Eu Venho Vagando no Ar traduz com música os sentidos e os sentimentos que são seus, mas também são nossos.

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Clarinete e violão nas mãos de dois virtuosos (por Aquiles Reis)

2011-02-07T09:00:00.002-02:00

Clarinete e violão nas mãos de dois virtuosos

(Aquiles Reis*)

Está na praça e, como diziam os do meu tempo, também nas melhores lojas do ramo (ao menos deveria estar), uma joia em disco instrumental, que reúne dois grandes músicos brasileiros: Alessandro Penezzi e Alexandre Ribeiro.

Alexandre Ribeiro, aos 18 anos, foi bacharelando em clarinete na Universidade Estadual Paulista. Seu instrumento soa com a delicadeza das asas de um beija-flor parado no ar, e seu clarone domina a cena com o seu som grave, avassalador.

Alessandro Penezzi, violonista que se dedica especialmente às seis cordas, mas que também toca violão tenor, cavaquinho, bandolim e flauta. Bacharel em música popular pela Unicamp, desde 2005, ele trata o violão com tanto carinho que este o retribui com deferências mil.

Agora, em 2011, os dois se unem em Cordas ao Vento (Capucho CDs Produções Artísticas). Um álbum com 12 faixas, das quais apenas duas, “Famoso” (Ernesto Nazareth) e “Chorinho Triste”, de João Dias Carrasqueira – cuja gravação conta com as flautas de seu filho, Toninho Carrasqueira –, não são de autoria de Penezzi.

Um baião elegante, “Cordas ao Vento”, que dá título ao disco e abre os trabalhos, é homenagem de Alessandro a seu pai, Walkir Penezzi. Como em quase todas as outras 11 interpretações, Penezzi está no violão e Ribeiro, no clarinete. A palheta fraseia junto com as cordas. A harmonia propicia isto. A limpeza sonora demonstra a virtuosidade dos instrumentistas. A dinâmica realça a graça da melodia. E assim eles vão construíndo um disco, céleres e brilhantes. O clarinete capricha, num solo de primeira. O violão carrega nas tintas de uma forte pegada.

“A Caminho de Casa” é um choro dedicado a Paulo Moura. O clarinete puxa a melodia. O violão faz as vezes de mestre de cerimônia (sem tê-la nenhuma!). Ambos os instrumentos se complementam, numa sequência executada em grande estilo. E seguem ressaltando nuances, unindo forças, que se mostram ainda mais joviais num intermezzo movido pela ímpar sonoridade dos dois instrumentos.

“Famoso” (Ernesto Nazareth), cujo violão de Anibal Augusto Sardinha, o talentoso Garoto, eternizou, é vibrante em sua levada meio tango, meio polca, meio maxixe. O clarinete chora no ombro do violão. Juntos, recriam o ambiente dos antigos salões de baile. O suingue contagia.

“Capitão Rodrigo”, choro amaxixado que Penezzi dedicou ao amigo Rodrigo Y Castro, conta com a flauta deste último. Sopro refinado. O pandeiro de Léo Rodrigues segura as pontas. O clarinete de Alessandro Ribeiro se soma ao sete cordas, ao violão e ao cavaco de Penezzi, cujo arranjo bem demonstra a sua versatilidade musical.

“Vá Penteá Macaco”: em uníssono, violão tenor e clarone (que dupla, meu Deus!) dão início à faixa-símbolo da qualidade e da diversidade sonora do CD de Penezzi e Ribeiro. O tenor sola enquanto o clarone pontua (e para que mais?), incendiando a festa, fechando o CD.

Reabri-lo, mais e muitas vezes, é questão de bom gosto e nexo musical.

*Aquiles Rique Reis, musico e vocalista do MPB4

Saudade de Gonzaguinha

2011-01-31T10:00:00.003-02:00

Saudade de Gonzaguinha

Quando ele nasceu o São Carlos tremeu. Imbalançou. Veio em frenético galope. O arvoredo, em desalinho, desenhou a figura do menino no topo da copa mais alta. Bem lá em cima o vento uivou um gemido.

A mãe na labuta, né, mãe? Lavar louça é preciso, né, mãe? Navegar não é preciso, tá, mãe? Pega minha mão. Solta não. Tenho medo das manhãs de abril. Meus olhos não deixa ninguém furar, tá, mãe? Não nasci pra ser Assum Preto. Galopar é preciso. Imbalança, mãe.

Ao som do vento que canta ao sol me vou. Eu quero ser feliz, mãe. Vou pro mundo. Correndo desesperadamente atrás da bola de fogo. Mas não vou só. Teu menino nunca estará só, mãe. Tenho companheiros para enfrentar os furacões, traçar os caminhos, escolher os descaminhos. Dar bom-dia à tempestade. Chorar a saudade de ti, mãe. Vem comigo.

Teu menino é forte. Mas ele tem medo. Carrego comigo o cantar da minha gente. Ela precisa de mim, mãe. Vou pra vida a galope. Me dá um cheiro, mãe. Vou descer o São Carlos. Vou voar.

A música é meu ofício. Vou subir o São Francisco. Vou pras terras do meu mundo. Grito. Alerto. Do chão levanto a poeira que há de cegar o carrasco. Canto noite e dia. Beijo bocas. Dou prazeres que não consigo ter. Sinto dores que não suporto sentir. Tenho medo do céu de abril. A florada da mata inunda meus olhos. Uivo à lua cheia meu sonho de liberdade. Tudo é chama. Clamo por justiça, mãe. Germinei a terra fértil. Meu coração bate em outros peitos. Gerei pequenos frutos. Viver é preciso. Imbalança, mãe.

Quando ele cresceu o Brasil muito que aprendeu. Vertigem no galope desenfreado. A floresta segurou e protegeu seu moleque. Lá do alto da mais alta de todas as copas veio o vento. O gemido.

Sou das estradas. Fiz meu ninho lá no alto daquele coqueiro. Meu coração quer sair do corpo a galope. Não tá dando pra segurar. Imbalança. Minhas lembranças querem se apagar na beira daquele mar. Imbalança, imbalançá. Vim a galope, a galope vou voltar. Preciso das Minas. Ar pra respirar. Sinto o peito sufocar. Tenho meu canto. Vou galopar. Imbalança. Meu pai dizia: “Minha vida é andar por esse país”. Eu vou atrás, mãe. É meu destino. Por ele choro e canto. Saudade, mãe. Tua benção, pai.

Manhã de abril. Não consigo ver a beleza das matas. Galopo. Não tô enxergando, mãe. Me pega, pai. Me aperta, mãe. Não vai dar. Imbalança. Não dá pra descansar. Eu quero essa vida mudar. Eia minha gente, imbalança!

Vou a galope. Pra onde, pai? No que eu posso ainda acreditar, mãe? Só sei que minhas crianças, em sua infinita pureza, me ensinaram a beleza. Muito aprendi por aí, com elas. Estou voltando ao começo, pai. Tenho medo. É manhã de um abril qualquer. Não tá dando pra segurar. Meu coração vai explodir, mãe...

Vem, meu moleque, imbalança, imbalançá!

Gonzaguinha morreu num acidente de carro. Era uma manhã de abril de 1991.

PS. Valendo-me de trechos de algumas das canções compostas e cantadas por Luiz Gonzaga do Nascimento Jr., busquei revê-lo A ele, minha amizade. Saudade.

Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Por uma crítica cultural dialética

2010-10-25T02:29:00.001-02:00

Por uma crítica cultural dialética
Iná Camargo Costa

Este texto é um resumo comentado da introdução ao ensaio “Crítica cultural e sociedade”, escrito por T. Adorno no início dos anos 60. Sua inspiração foi um ensaio dos anos 30, de Walter Benjamin, “O autor como produtor” que, por sua vez, é uma reflexão sobre a experiência de Brecht com as peças didáticas. Dada a sua genealogia, podemos assumi-lo como uma espécie de plataforma da crítica dialética.

O crime de lesa humanidade do capitalismo não é o de ter criado uma sociedade materialista onde se desejam bens de consumo, mas tê-la organizado de modo a impedir que a ampla maioria obtenha os bens de consumo que produz. Nós somos pela saciedade e contra a fome em todos os âmbitos, inclusive o da cultura.

Uma sociedade com plena consciência de si mesma não precisaria ter ideologia, necessária em sociedades como a nossa que não pode ter essa consciência, na medida em que ela contradiz seu próprio conceito, o de humanidade. No atual estágio, de acelerado descrédito do neoliberalismo (a última versão da ideologia), que entretanto não sairá de cena de bom grado, a função da cultura e da crítica prestigiadas pelo mercado e seu porta-voz, a imprensa, é empenhar toda a energia no cultivo das aparências e na ofuscação da consciência.

Por outro lado, por mais que se empenhem os interessados na preservação do estado de coisas, eles não têm como impedir por muito tempo a manifestação da cultura, da arte e da crítica dialéticas, que já estão por todo o lado e estão empenhadas, com igual ou maior energia, em forçar a sociedade a confrontar seu próprio conceito. Por isso combatem, às vezes com legítima fúria, obras e opiniões críticas que continuam afirmando falsidades como harmonia, liberdade de espírito, vida, indivíduo e seu cortejo de ilusões conexas. A crítica dialética tem o compromisso de levar a não-verdade à consciência de si mesma onde quer que ela se manifeste.

A profissão de crítico desde a origem tem um elemento de usurpação, fundado na divisão do trabalho. Este profissional, na essência, não é diferente do que fornece dicas ao mercado. Apenas atua no mercado dos produtos espirituais: como perito na especulação com as artes plásticas ou como juiz no mercado do entretenimento. A ilusão e a auto-ilusão de competência são intrínsecas ao exercício do metiê. A petulância com que é exercido na imprensa decorre da amena consciência de que o êxito do crítico, assim como o das obras, é um diploma conferido pelo mercado. Mas convenções bem sucedidas são por sua própria natureza ultrapassadas e então soa a hora em que o crítico não entende mais o que julga. É quando ele prazerosamente se deixa rebaixar aos papéis de propagandista do que permanece aferrado às convenções e de censor de tudo o que foge a elas, ainda mais feroz se a obra expuser alguma não-verdade.

Consuma-se então a antiga falta de caráter de um ofício que participa do amplo trabalho de tecer o véu das aparências.A crítica dialética empenha-se em confrontar metodicamente todas as manifestações da propaganda e da censura, em expressa aliança com a arte também dialética.

Iná Camargo Costa é professora de Teoria Literária na USP

e autora de A Hora do Teatro Épico no BrasilFonte: O Sarrafo, n. 1, 2003.

Bateia Cultura: um balanço de 2010

2010-10-12T12:09:00.004-03:00

Neste domingo, dia 10 de outubro, estreou o espetáculo Senhora dos Afogados, belíssima encenação de Ana Kfouri para texto de Nelson Rodrigues. A estreia deste trabalho veio coroar um belíssimo ano na Bateia Cultura.

Em janeiro e fevereiro iniciamos nossa parceria com a diretora e atriz Ana Kfouri, quando fizemos temporada do monólogo A Inquietude, de Valère Novarina, com direção de Thierry Trémouroux, no Teatro Poeira. Nos meses de março e abril seguimos com o mesmo espetáculo para uma temporada de cinco semanas no SESC Avenida Paulista. Depois "A Inquietude" viajou para o Festival Internacional de Teatro de São José do Rio Preto, em julho, para o FIT-BH em agosto e para o Porto Alegre em Cena em setembro.

Nos meses de fevereiro e março fizemos duas temporadas, a primeira no Drink Café e, a segunda, no Teatro Café Pequeno, do cantor, compositor e instrumentista Rômulo Gomes. Os shows contaram com diversas participações especiais, como Zé Renato, Roberto Menescal e Ricardo Silveira. Em outubro este show volta em única apresentação no Lapinha.

Em março realizamos o show Dez Cordas do Brasil, do maestro Jaime Alem, que marcou o lançamento do CD homônimo. Os shows aconteceram na Caixa Cultural do Rio de Janeiro. No mês seguinte o mesmo show foi para o SESC Ginástico e, em agosto, para o Teatro Municipal de Niterói. As cantoras Rita Ribeiro e Nair Cândia e o músico Marco Lobo fizeram participações especiais.

Em abril fizemos a produção local e divulgação do show do cantor brasileiro Gladston Galliza, que atualmente mora na Espanha. Os shows aconteceram no aconchegante Espaço Rio Carioca, em Laranjeiras.

Em maio a Bateia Cultura foi a responsável pela produção no Rio de Janeiro da temporada popular do musical Avenida Q, dirigido por Christina Trevisan, com direção original da dupla Cláudio Botelho e Charles Möeller. A temporada que deveria ter cinco semanas acabou prorrogada por mais duas, devido ao enorme sucesso, que encheu o Teatro Carlos Gomes. E a partir de agosto Avenida Q seguiu turnê pelo Estado do Rio de Janeiro, também com produção da Bateia Cultura, por Niterói, Rio de Janeiro, Petrópolis, Volta Redonda e Angra dos Reis. Ainda para o final do ano mais cinco cidades do estado estão previstas.

Em junho a Bateia Cultura teve o prazer de produzir a vinda ao Rio de Janeiro do espetáculo Mané Gostoso, do Ballet Stagium, um dos principais grupos de dança do Brasil, que no ano que vem completa 40 anos. As apresentações aconteceram no Teatro Nelson Rodrigues.

Em julho estreou no Festival de Inverno do SESC Rio o espetáculo As Impostoras, texto inédito de Rodrigo de Roure escrito especialmente para as atrizes Ana Kfouri e Ana Abbott, dirigidas por Renato Carrera. As apresentações aconteceram em nos SESCs Nova Friburgo e Teresópolis.

E em outubro estreou o Senhora dos Afogados, que vem coroar 19 anos de estrada da Cia Teatral Movimento - CTM, grupo bravamente dirigido por Ana Kfouri. Aos atores Ana Abbott, Cris Larin, Fabiano Fernandes, Renato Carrera e Renato Livera, integrantes da CTM e do extinto grupo Alice 118, também dirigido por Ana Kfouri, juntaram-se mais 12 atores, 3 músicos e 12 figurantes, além de uma extensa equipe de criadores, produtores e técnicos, que numa comunhão jamais vista conseguiram levantar este grandioso e belíssimo espetáculo, no igualmente belíssimo Restaurante Albamar, na Praça XV.

Nós, da Bateia Cultura, queremos agradecer aos artistas aqui citados: ao Jaime Alem, à Ana Kfouri, ao Rômulo Gomes, ao Israel Dantas, à Marika Gidali e a todos do Ballet Stagium, ao Gladston Galliza, ao Thierry Trémouroux, ao Marcos Mendonça, Dalva Abrantes e Marcos Amazonas, da Bottega D'Arte, ao Valdir Archanjo e Bira Saide, da Asa Produções e a toda maravilhosa equipe do Avenida Q e a todos artistas, técnicos, criadores e produtores que passaram por todos esses trabalhos ao longo de 2010.

Para 2011, muitas novidades: novos shows do maestro Jaime Alem, novos trabalhos com a Ana Kfouri e Rômulo Gomes e projetos com o MPB4.

Agradecemos especialmente a você, que nos prestigia assistindo aos nossos trabalhos. E não deixe de assistir ao Senhora dos Afogados.

um abraço a todos,
Marcelo Cabanas
Camila Martins

Divulgados os indicados para o 4º Prêmio APTR de Teatro

2010-04-07T22:32:00.003-03:00

Confira os indicados ao 4º Prêmio APTR de Teatro. O júri é formado por Barbara Heliodora, Lionel Fischer, Macksen Luiz, Mauro Ferreira e Tânia Brandão.

AUTOR

Cristiane Jatahy - "Corte seco"
Flávio Marinho - "Além do arco íris"
Licia Manzo - "Histórias de nós dois"
Maitê Proença e Luis Carlos Goés - "As meninas"
Rodrigo Nogueira - "Play"

DIRETOR

Amir Hadad - "As meninas"
Charles Möeller - "O despertar da primavera"
Enrique Diaz - "In on it"
João das Neves - "A farsa da boa preguiça"

CENÓGRAFO

Bia Junqueira - "Na solidão nos campos de algodão"
Cristina Novaes - "As meninas"
Fernando Mello da Costa e Rostand Albuquerque - "Moby Dick"
Rogério Falcão - "O despertar da primavera"

FIGURINOS

Beth Filipecki - "As meninas"
Kalma Murtinho - "Gloriosa"
Kika Lopes - "Moby dick"
Marcelo Pies - "O despertar da primavera"

ILUMINAÇÃO

Paulo César Medeiros - "O despertar da primavera"
Paulo César Medeiros - "As meninas"
Maneco Quinderé - "Moby Dick"
Rodrigo Portella - "Na solidão nos campos de algodão"

ATOR PROTAGONISTA

André Diaz - "Avenida Q"
Armando Babaioff - "Na solidão nos campos de algodão"
Emílio de Melo - "In on it"
Fernando Eiras - "In on it"
Guilherme Leme - "O estrangeiro"
Roberto Bomtempo - "Espia uma mulher que se mata"

ATRIZ PROTAGONISTA

Beth Goulart - "Simplesmente eu, Clarice"
Fernanda Montenegro - "Viver sem tempos mortos"
Marília Pêra - "Gloriosa"
Sabrina Korgut - "Avenida Q"

ATOR COADJUVANTE

Cristiano Gualda - "Oui, oui ... A França é aqui"
Ernani Moraes - "A farsa da boa preguiça"
Rodrigo Pandolfo - "O despertar da primavera"
Telmo Fernandez - "Tom e Vinicius"

ATRIZ COADJUVANTE

Claudia Neto - "Avenida Q"
Patrícia Pinho - "As meninas"
Solange Badim - "Oui, oui.. A França é aqui"
Suzana Ribeiro - "Estranho casal"

MELHOR ESPETÁCULO

"A farsa da boa preguiça"
"Avenida Q"
"In on it"
"O despertar da primavera"

CATEGORIA ESPECIAL

Beto Lemos, pela música de "Kabul"
Bia Radunski, Pela programação do Espaço SESC
Liliane Secco, pela direção musical de "Esta é a nossa canção"
Marcelo Claret, pelo desenho de som de "O despertar da primavera"

A viola e o violeiro

2010-03-13T18:16:00.008-03:00

texto de Aquiles Rique Reis* sobre o CD "Dez Cordas do Brasil", de Jaime Alem

    Dez Cordas do Brasil (lançamento do selo Repique Brasil, do cantor, instrumentista e arranjador Chico Adnet, ele que é também o produtor executivo do trabalho) é o primeiro CD instrumental solo do compositor, instrumentista e arranjador Jaime Alem.

    Nascido no interior paulista, Jaime conviveu com o sabor das coisas simples, das quais absorveu o saber profundo do que é ser de algum lugar, do que é pertencer a uma aldeia, nela se fortalecendo até partir, para botar a boca no mundo e o pé na estrada, e, enfim, perder-se até ganhar a vida.

    A viola de dez cordas tem o som do mundo. Nele, árabes e nordestinos, portugueses e mineiros têm o mesmo linguajar. Nele, o ponteado é do campo e é da cidade; suas modas vêm de raízes rasas e profundas; seu dedilhar traz o cateretê e o maxixe, a ciranda e o calango. Seu toque é inconfundível. Mas por vezes, para a ele agregar novas sonoridades, Jaime se valeu de uma viola de doze e de um violão de seis cordas de náilon.

    Para gravar seu disco, treze imagens vieram-lhe à cabeça e logo se materializaram na ponta dos dedos: uma barcaça desce um rio, na proa vislumbra-se um violeiro; o cheiro de um bolinho de arroz recheado com pedaços de toucinho atiça o desejo; dançarinos brincam na roda de uma ciranda em Parati; na Estação da Luz paulistana, violeiros esmoleiros, ao som de uma viola tosca, com apenas uma corda, passam o chapéu; um cheiro sugere Minas Gerais; a lembrança de um guitarrista; a mó macetando grãos; a fiandeira tecendo na roca; Minas e Pernambuco, uma só beleza; um violeiro brabo impõe respeito aos roqueiros de uma cidadezinha do interior; um berimbau tocado sobre a perna; uma Ave-Maria nascida ao acaso; um agalopado a tudo carrega para longe, sem pressa...

    E assim, feito parto natural, doloroso, rápido, comovente e tocante, as treze peças nasceram sob a vivacidade da emoção relembrada.

    O ponteando da viola faz de “Costeira do Rio” um símbolo do que virá; “Pracatugudum” é samba rural suingado e malicioso; “Moda de Uma Corda Só” tem rica linha melódica tocada em apenas uma corda e surpreende com a referência a “1x0”, o famoso choro de Pixinguinha; “Sonata do Agreste” é pungente em sua mistura de climas e andamentos; “Moenda” e “Romance da Moura”, plenas de improvisos e de contrapontos, se complementam, talvez pudessem ser uma única música; “Ave Maria das Violas” é cantada emocionadamente, com a letra original em latim, por Jaime Alem.

    Dez Cordas do Brasil confirma o quão viscerosa é a viola de dez cordas para Alem. Foi a partir do contato dela com seu peito, já dentro de um estúdio (onde entrou sem sequer uma composição pronta), que numa catarse musical-afetiva pôs-se a desarrumar emoções, saudades e lembranças. Desfragmentou-as a partir da estética sonora de um instrumento singular, tão familiar quanto íntimo. Assim foi criado o repertório que gravou, simples e instigante como um tênue fluxo de luz filtrado de uma nuvem escura no céu agreste.

*Aquiles Rique Reis, músico e vocalista do MPB4

Diário do Comércio (SP), Meio Norte (Teresina), A Gazeta (Cuiabá), Jornal da Cidade (Poços de Caldas) e no Brazilian Voice (uma publicação voltada para os brasileiros residentes em toda costa leste dos EUA).

Fazer arte no Brasil, por Aquiles Reis, integrante do MPB4

2009-11-26T22:01:00.000-02:00

Fazer arte no Brasil é correr atrás, matar e cozinhar um leão por minuto. Vivemos da arte de sobreviver. Criamos da lama. Plantamos no asfalto. Colhemos do sacrifício. Sonhamos para dormir. Levantamos para suar. Muitas vezes dormindo sem esperança e acordando cheio dela. Alimentando-nos de promessa. Buscando inspiração nos gabinetes públicos e privados. Patrocínio. Palavra mágica tão distante. Caçando ideias nas calçadas, nos bares - onde afogamos mágoas infinitas - , nos ônibus e metrô. Vendendo ideias àqueles que nem sempre entendem de sonhos. (...)

De traquinagem em traquinagem, essa legião de "arteiros" vai traçando o perfil das cidadãs e cidadãos que nascem nesse país.

(Aquiles Reis, cantor, integrante do MPB4)

Maurício Tizumba lança CD e DVD no Centro do Rio

2009-11-26T13:29:00.002-02:00

MAURICIO TIZUMBA E TRIO

Artista mineiro lança CD e DVD na Sala Funarte Sidney Miller com preços populares

Em seus 35 anos de carreira, Mauricio Tizumba fez um percurso de grande relevância para as artes e a cultura afro-brasileira, divulgando o congado mineiro (manifestação religiosa com mais de três séculos de existência) e mostrando a sua importância e presença na identidade do nosso povo.

Sua trajetória marca também a luta e a conquista de ampliar o acesso à cultura em Minas Gerais, democratizando a arte a todas as classes e grupos sociais. Seus trabalhos sempre buscaram as ruas, praças e povo, com o objetivo claro de sensibilização para a arte, para a cultura negra e cultura em geral. Cantando em todas as cores, tamanhos e regiões.

Acompanhado pelo trio com o qual se apresenta há cerca de dez anos, formado pelas cantoras e percussionistas Raquel Coutinho, Beth Leivas e Danuza Menezes, Tizumba apresentará o repertório de seu novo trabalho o CD e DVD “Mauricio Tizumba no Mercado”, gravado ao vivo no Mercado Distrital do Cruzeiro em Belo Horizonte. São canções que passeiam pelos seus 35 anos de carreira, remetem ao primeiro LP “Caras e Caretas” (1991), como “Camelô de Farol”, canções extraídas do congado e da folia de reis, sucessos dos discos “África Gerais” (1996) e “Mozambique” (2003) como “Sá Rainha” e “Maurice a Paris”, além de canções inéditas e composições de Sérgio Pererê, Pereira da Viola e Vander Lee.

A convite do IBRIT (Instituto Brasil Itália), Mauricio Tizumba e Trio se apresentaram em Milão dentro do evento "Orumila Zumbi". Representando o estado de Minas Gerais, fizeram parte do grupo de artistas selecionados para se apresentarem na França onde se comemorou o “Ano do Brasil na França”. Dividiram o palco com Milton Nascimento no show Tambores de Minas em Nova Yorque. O show também foi apresentado na Alemanha (Copa da Cultura) durante a 18ª edição da Popkomm, uma das maiores feiras de música da Europa.

Serviço:

Maurício Tizumba e Trio

Artista mineiro lança CD e DVD na Sala Funarte Sidney Miller.

Sala Funarte Sidney Miller

Rua da Imprensa, 16, térreo - Centro

Tel.: (21) 2279 8104

Dia 4 de dezembro de 2009, sexta-feira

Horário: 19h

Ingresso: R$ 5,00 (inteira), R$ 2,00 (meia)

Mais sobre Maurício Tizumba em www.tizumba.com

Seja bem-vindo à Bateia Cultura

2009-11-22T00:20:00.000-02:00

A partir de agora a Bateia Cultura conta com mais este espaço. Neste blog publicaremos notícias, críticas, reportagens e artigos.

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